Initiative Münchner Galerien zeitgenößischer Kunst

 

Galerie Andreas Binder

Knöbelstr.27 • 80538 M
Tel. +49 89 219 39 250 • Fax: +49 89 219 39 252
www.andreasbinder.deinfo@andreasbinder.de
Tue–Fri 11 am – 6.30 pm • Sat 11 am – 3 pm

Knöbelstr.27
80538 M

Current exhibitions

Giovanni Castell

Giovanni Castell

Im Jetzt

13.09.2019 - 02.11.2019
Mit "Im Jetzt" präsentiert die Galerie Andreas Binder nun die erste Einzelausstellung des Fotografen Giovanni Castell. In technisch vielschichtigen, an die Farbfeldmalerei erinnernden Bildern lässt der Künstler sein eigentliches Motiv zugunsten der Auseinandersetzung mit dem Wesen von Licht, Raum und Farbe nahezu verschwinden. Durch bedrucktes und mit Goldpapier beschichtetes Plexiglas entsteht hier die malerische Illusion von Räumlichkeit und macht so die Immaterialität von Licht und Energie unmittelbar erfahrbar. Der Blick in eine von Leuchtkraft gesättigte, mikrokosmische Welt ermöglicht so die Annäherung an das Sublime und die Wahrnehmung des Makrokosmos Im Jetzt.

Giovanni Castell
Stromboli, 2018
Siebdruck auf Blattgold
Acryl, gerahmt
130 x 100 cm

 
 

Upcoming exhibitions

Julio Rondo

Julio Rondo

New Works

08.11.2019 - 21.12.2019
Julio Rondo
Take All, 2019
Credits: Galerie Andreas Binder / Julio Rondo 2019

 

 
 

Past exhibitions

Yigal Ozeri

Yigal Ozeri

A New York Story

16.05.2019 - 31.08.2019
Yigal Ozeri
untitled (New York), 2019
Öl auf Leinwand
76 x 51 cm
Courtesy: Galerie Andreas Binder & Yigal Ozeri

 
 

Andrius Zakarauskas

new works

20.03.2019 - 11.05.2019
 

Horizon

Horizon

Group Exhibition

14.02.2019 - 16.03.2019
Gerhard Richter, Paul Winstanley, Matthias Meyer, Julian Opie, Yigal Ozeri, Ariamna Contino, Stefan Hunstein, Izima Kaoru, Julio Rondo, Giovanni Castell, Jan Davidoff, Philipp Lachenmann, Tina Berning, Adam Mysock, Daniel Knorr und Dieter Rehm

Stefan Hunstein
o.T., 2018
Acryl, Öl auf Leinwand
40 x 50 cm

 
 

Jan Davidoff

Jan Davidoff

Relictum

30.11.2018 - 09.02.2019
Jan Davidoff
Standhaft, 2018
mixed media on canvas
200 x 140 cm | 79 x 55 inch (detail)

 
 

Matthias Meyer

Matthias Meyer

Arcadia

15.09.2018 - 24.11.2018
Matthias Meyer
Lac de Vallon, 2018
Öl auf Leinwand
210 x 200 cm
 

Hadrien Dussoix

Hadrien Dussoix

J´adore, sa ma fait pleurer

07.06.2018 - 08.09.2018
Hadrien Dussoix
All We Ever Wanted Was Everything, 2017
Acryl und Stickerei auf Stoff

 

 
 

Daniel Man

Daniel Man

game over, please insert coin

07.06.2018 - 08.09.2018
Daniel Man
dark side of the moon, 2016
Kunstharz, Acryl, Wasserlack, Lascaux Kleber auf Papierschnitt
59,4 x 84,1 cm

 
 

Haiying Xu

Haiying Xu

Sanbaishan

13.04.2018 - 30.05.2018
Haiying Xu
Du und WIr, 2018
Öl auf Leinwand
125 x 100 cm

 
 

EDEN NOW

EDEN NOW

Gruppenausstellung

08.02.2018 - 07.04.2018
Gerhard Richter
Andy Warhol
Markus Lüpertz
Matthias Meyer
Yigal Ozeri
Stefan Hunstein
Jan Davidoff
Anna Krammig
Haiying Xu
Joel Grey
Tim Maguire
Izima Kaoru
Giovanni Castell
Luzia Simons
Thomas Stimm
Tina Berning
Dieter Rehm

 
 

Dieter Rehm

Dieter Rehm

Under A Blood Red Sky

01.12.2017 - 03.02.2018
Dieter Rehm
Basilika 2, 2013/2017
Direktprint auf Metall
124 x 161 cm

 
 

Julio Rondo

Julio Rondo

report_images

29.09.2017 - 25.11.2017
Julio Rondo
Atelieransicht
 

Matthias Meyer

Matthias Meyer

Neue Werke im Kabinett der Galerie Andreas Binder

25.07.2017 - 20.09.2017
Matthias Meyer
Trauben, 2016
Öl auf Leinwand
90 x 80 cm
 

Yigal Ozeri & Eugene Lemay

Yigal Ozeri & Eugene Lemay

Dual Tones

23.06.2017 - 20.09.2017
Yigal Ozeri
untitled (Cristal), 2017
oil on canvas
30 x 40 inch | 76 x 102 cm

 

 
 

Philipp Lachenmann

Philipp Lachenmann

Delphi_Essentials

27.04.2017 - 17.06.2017
Philipp Lachenmann | Studio View
 

Philipp Lachenmann @ Kino der Kunst

Philipp Lachenmann @ Kino der Kunst

19.04.2017 - 23.04.2017
DELPHI Rationale - test version_1 - work in progress

FILM SCREENING @ Andreas Binder Gallery
opening hours: Wed - Fri, 12 - 6 pm | Sat, 11 am - 3 pm | Sun, 12 - 4 pm
 

Edgy Geometrics

Edgy Geometrics

group show

09.02.2017 - 08.04.2017
Gerhard Richter
Imi Knoebel
Günther Förg
Blinky Palermo
Donald Judd
Fred Sandback
Frank Stella
Gerhard Merz
Anton Hiller
Julio Rondo
Paul Winstanley
Jan Davidoff
Hadrien Dussoix
Stefan Hunstein
Alex Hernández & Ariamna Contino

Julio Rondo
untitled yet, 2016,
Acryl hinter Glas, gerahmt
152 x 122 cm
Atelieransicht
 

Anna Krammig

Anna Krammig

new works

25.11.2016 - 04.02.2017
Anna Krammig
o.T. (Gelb), 2016
Öl auf Leinwand
100 x 80 cm

 

 
 

Ariamna Contino & Alex Hernandez

Ariamna Contino & Alex Hernandez

07.10.2016 - 19.11.2016
Alle Arbeiten aus der Serie:
Alex Hernández / Ariamna Contino - Militancia Estética / Aesthetic Militancy (based on
drug traffic statistics), 2015
Handausgeschnittenes Papier, Graphit und Epoxy-Farbe über Glas
variable Größen
 

Matthias Meyer

Matthias Meyer

Fensterbilder

25.06.2016 - 01.10.2016
With Fensterbilder, the gallery Andreas Binder presents the seventh solo exhibition of artist Matthias Meyer, in which
works that are stylistically as well as thematically connected to earlier works are shown. While in his 2014 exhibition the
element of water in all its natural forms of appearance was central, this prior motif yields to another transparent medium
in Fensterbilder, viz. window glass.
Here as well, slices of reality form the base of an art that lets the actual motif disappear in its aesthetic and substantial
ambiguity. The window glass, always mirroring the foreground and at the same time giving insight into what lies behind,
becomes, on the canvas, the playground and projection screen for an artistic examination of the luminance of light.
At the same time, the light, which breaks on the canvas through permeable coats of paint, gives the beholder glimpses
into a transcendental world that is saturated with emotions, luminosity, and color. In analogy to the psychoanalytic film
theory, in which the cinema screen is seen as a window to the subconsciousness, the motif of the window becomes a
mirror of subconscious art work and allows the observer access to dreamlike worlds.
This intuitive component, which is situated between a spiritual and psychologizing interpretation, is mirrored in the
tangible artistic method of Matthias Meyer. Though the artist uses photography as a guideline for his paintings, the
execution arises detached of this guide in an improvised, almost oneiric character. “It is a moment of risk“, Meyer
confesses.“Actually, I build the picture abstract in reverse order, as soon as a detail becomes recognizable, I stop the
process again.“
And still–in spite of Meyer’s rejection of the theoretical supersaturation of his art–his pictures cannot be viewed as free
of any central questions of the art-theoretical discourse. The renunciation of figurative content as well as of geometrical
abstraction and at the same time the admission of photographies of glass art as an aid to memory leads in practice into
a principle of shapelessness, in which color is used autonomously. Thanks to this technical-conceptual approach, it
seems that Matthias Meyer is succeeding in overcoming the antagonism between figuration and abstraction.
In playing with the different genres of architecture, art of glass, photography, and painting, Matthias Meyer returns to an
almost spiritual impetus, in which the artisanal and artistic bundling of light enables the display of a further reality in a
two-dimensional medium by means of the use of color – just as in the sacred glass painting – in a spontaneous, artistic
act.
Matthias Meyer (*1969) lives and works in Mülheim at the Ruhr, Germany. He finished his studies at the art academy Düsseldorf as a
master student under the supervision of Professor Gehard Richter. In 1994, he was visiting student at the Chelsea College of Art, London, and
won the SBC European Art Competition of the Swiss Bankverein the following year. In 2015 he received the work stipend of the Konrad
Adenauer Foundation EHF 2010.
National as well as international exhibitions (selection): 2014 Kunstverein Leverkusen, Schloss Morsbroich; Das flüssige Element, SØR Rusche
Sammlung Oelde/Berlin, Museum Ahrenshoop, Niederlande; „Wetland“, Gallery Danese Corey, NY; Gallery Wilma Tolksdorf, Frankfurt; „2x2“,
EKFF Eileen Kaminsky Family Foundation, NYC; „Vom tatsächlich Sichtbaren“, Kunstverein Duisburg; „Unlängst im Wald“, Zentrale der
Bayerischen Staatsforsten, Regensburg; Inter Cool 3.0., Hartware Medienkunstverein + Künstlerhaus Wien, Dortmund; Inner Space/Outer
Limits: The Vern Collective, Walker´s Point Center for the Arts, Milwaukee WI; „Landschaft entdecken“, Kunstsammlung Gera; „Maha Kumbh
Mela“, Junge Kunst e.V., Wolfsburg.

 

 
 

Anna Navasardian

Anna Navasardian

Assembly

22.04.2016 - 20.06.2016
 

Claire Obscure

Claire Obscure

group show

05.02.2016 - 16.04.2016
Philipp Lachenmann, Matthias Meyer, Yigal Ozeri, Stefan Hunstein, Jan Davidoff, Anna Krammig, Rolf Walz, Dieter Rehm, Julio Rondo, Anna Navasardian, Gerhard Richter und Sigmar Polke
 

Jan Davidoff

Jan Davidoff

#fromwhereistand

13.11.2015 - 30.01.2016
 

Stefan Hunstein

Stefan Hunstein

Verdichtungen

17.09.2015 - 07.11.2015
 

Adam Mysock

When Everything was Wonderful Tomorrow

26.06.2015 - 04.09.2015
 

Anna Krammig – Longtemps / Adam Mysock – When Everything was Wonderful Tomorrow

Anna Krammig – Longtemps / Adam Mysock – When Everything was Wonderful Tomorrow

26.06.2015 - 13.09.2015
 

Haiying Xu

Haiying Xu

Du und Sie und Wir

08.05.2015 - 20.06.2015
 

Yigal Ozeri & Eugene Lemay

Yigal Ozeri & Eugene Lemay

Monochrome

13.03.2015 - 02.05.2015
Yigal Ozeri
Untitled (Olya), 2015
Öl auf Leinwand
51 x 76 cm / 20 x 30 inch
 

Hadrien Dussoix // Martin Kippenberger

Hadrien Dussoix // Martin Kippenberger

Was macht die Kunst?

06.02.2015 - 07.03.2015
 

Julio Rondo

Julio Rondo

revolve

07.11.2014 - 31.01.2015
Julio Rondo
Let's Panic Later, Reprise, 2014
Acryl hinter Glas
180 x 154 cm
Ausschnitt

 
 

Altered States

Altered States

group show

12.09.2014 - 31.10.2014
Matt Mullican
Untitled, 2014, Tinte auf Papier, 42 x 29,7 cm
Slider and Startseite: Detail

Rosa Barba, Katja Davar, Stefan Ettlinger, Matt Mullican, Susan Turcot, Rolf Walz, Marcus Weber

Curated by Clemens Krümmel and Rolf Walz

 
 

Matthias Meyer

Matthias Meyer

In der Ferne so nah

15.05.2014 - 06.09.2014
Abbildung:
Installation View, Galerie Andreas Binder
 

Joseph Zehrer

Joseph Zehrer

Pool

21.03.2014 - 10.05.2014
Abbildungen (Slider + Startseite: Ausschnitt):
Joseph Zierer, Wald, 2014
150 x 200 cm, Acryl, Plexiglas, Leinwand
Photo: Simon Vogel

Unter dem Titel Pool zeigt die Galerie Andreas Binder erstmalig eine Einzelausstellung aktueller Werke des in Köln lebenden Künstlers Joseph Zehrer.

Seit vielen Jahren dienen dem Künstler Licht, Farbe und Plexiglas als Medium, Werkstoff und Bildträger in vielgestaltigen Arbeiten. Der Künstler reagiert mit seinen Werken auf das Zeitgeschehen ebenso wie auf Neuigkeiten aus Natur und Wissenschaft.
Analoge Fotographie, die längst totgesagt wurde und doch wieder auflebt, ist ein Leitmotiv in dieser Ausstellung. Ausgehend vom Silbergehalt des Rheins sieht Zehrer den Fluss durch Köln wie ein Entwicklungsbad für Film. Silber in Foto und Spiegel erzeugt Abbildungen, die der Wirklichkeit zu entsprechen behaupten. Zehrer dekonstruiert Fotographie, legt ihre materiellen und technischen Grundlagen frei und transformiert sie in Malerei und Objekte, die wiederum mit dem Gegensatz von Bild und Abbild arbeiten.

In der Ausstellung nimmt Zehrer auch lokale Bezüge auf, wie den Einsturz des Kölner Stadtarchivs. Der Schaden der versunkenen und aufgequollenen Bücher, wird in der Serie die „dicken Bücher Kölns“ in farbenfrohe, mit Rheinwasser gemalte Aquarelle transformiert. Das möglicherweise Verlorene wird so in seinem nicht restaurierten Zustand bewahrt.Mit dem Titel „Menschen am Pool“ sind bemalte Plexiglasstreifen zu einem poetischen Gebilde verwoben, das an Konstruktivisten wie El Lissizky erinnert. Jeder Streifen steht für eine Menschenlinie -, man sieht quasi die Menschheit wie in einer Langzeitbelichtung um das Wasser herum wandern.
 

Johanna Kandl

Guter Stoff

23.01.2014 - 08.03.2014
 

Philipp Lachenmann

Philipp Lachenmann

Cine//Citta

25.10.2013 - 18.01.2014
Unter dem Titel Cine//Città zeigt die Galerie Andreas Binder in einer Einzelausstellung aktuelle Werke des deutschen Künstlers Philipp Lachenmann, die während seines einjährigen Aufenthaltes in der Villa Massimo in Rom entstanden sind.
Cine//Città besteht vorwiegend aus "Requisiten", die Themen des Filmischen und der Inszenierung mit dem Topos der Leerstelle bzw. dem Verschwinden des Narrativen verbinden. Ausgangspunkt des Konzepts ist ein Repräsentationskamin aus dem Thronsaal des Palazzo Ducale in Urbino, dem Hort der italienischen Renaissance und im weiteren Sinn ein Metonym für die perspektivische Entwicklung der Kunst hin zum Film.
In Anlehnung an ein Studio-Set wurden daraus vier dialogische Zonen entwickelt, in denen sich nicht nur essentielle Parameter der Mise-en-scène und des Bewegtbildes abbilden, sondern auch kinematografische Referenzkonstruktionen von Architektur, Skulptur, Malerei und Fotografie verhandeln lassen.
Den Eingangsbereich bildet ein Kulissen-Nachbau des Repräsentationskamins zusammen mit einem silbernen, stumpfreflektierenden
Gemälde, Zitat eines historischen Spiegels, an der Wand gegenüber. In einem weiteren Raum sind die filmischen Parameter Figur und Licht eingebunden im "Gespräch" zwischen Skulptur und konzeptuellem Leucht-Objekt.
Ein geschlossener Restaurantschirm spielt hier mit dem "Figurativen" in Form des klassischen Faltenwurfmotivs der Renaissance, während sich seine weiße Oberfläche einfärbt im Widerschein einer Schwarzlicht-Neon-Schrift, die auf der Wand die Worte Nuit Américaine herausbildet (Nuit Américaine bezeichnet in der Filmtechnik das Drehen bei Tag mit geschlossener Blende, um eine Nachtaufnahme zu simulieren).
Lachenmann beauftragte einen Kulissenmaler, basierend auf Fotografien von den “Brandmauern” des Originalkamins in Urbino, Ölgemälde in drei Größen pro Motiv anzufertigen. Fotos und Gemälde werden in der Nähe des Kamins, aber räumlich separat präsentiert. So entsteht eine Art "Echokammer" zum ersten Raum, in der das konkrete Innenleben des Kamins sich repetitiv spiegelt und zugleich in Abstraktion verselbständigt.
Im letzten Raum kondensieren schließlich Projektion, Schein und Abbildung mittels eines 16mm-Films aus den 50er Jahren und eines Kristallglassteins zu einer Reflexion über Materie und Auflösung. Ein 6-minütiger S/W-Film von zusammenbrechenden Eisbergen, projiziert durch ein Kristallglas, zersplittert an der Wand in bewegte Lichtflecken und Wellenformen.

Im Vordergrund des Interesses von Lachenmann stehen die Mechanismen und Wirkungsweisen des Imaginären, insbesondere die Verschiebungen, Parallaxen des sogenannten Kollektiven Gedächtnis. Seine Filme, Fotografien, Skulpturen und Installationen sind durchwegs Arbeiten am Essentiellen der Bildgenese, an den dem Bildlichen vorerst zugrunde liegenden Repräsentationsstrukturen, welche in ihren Bedeutungsmonopolen offengelegt, ihre Prägungen decodiert und auf neuer Ebene lesbar gemacht werden. Einfache Eingriffe in die Schichten des "Bildes" - und im weiteren unseres Begriffs davon - verbinden sich dazu angelegentlich mit der Implementierung von Vorgefundenem in neue perzeptive Zusammenhänge, um alternative, auch politische Bedeutungsräume zugänglich zu machen. Dabei analysiert seine Kunst präzise jene visuellen Verführungen, die zu inneren Bildern und Fetischen geronnen wirkungsmächtig unseren Alltag formen. Lachenmanns Arbeiten agieren und argumentieren auf verschiedenen semiotischen Ebenen, sodass sie sich variabel lesen lassen, ihre Offenheit bewahren und zur Dekonstruktion hegemonialer Deutungshierarchien führen.

Kunstwochenende: 8.–10. November 2013
 

Djawid C. Borower

Djawid C. Borower

20.12. The God Project

13.09.2013 - 19.10.2013
Abbildung:
Djawid C. Borower
Die Falten der Materie und die Falten der Seele, 2012
Kunstharz und Lack auf Leinwand
85 x 85 x 30 cm

Unter dem Titel The God Project stellt die Galerie Andreas Binder Djawid Borowers neuestes Projekt vor, das aktuell auf der Biennale Venedig gezeigt wird. Borowers Kunst ist enzyklopädisch. In serieller Form kreist sie um Triviales wie Philosophisches, um Geld und Macht, Gott, Sex und Zeit, Bild und Abbild. Sie ist "high" und "low", konzeptuell und sinnlich. Dabei vereint sie Malerei, Plastik und Text. In The God Project fasst Borower verschiedene Serien zusammen, die sich seit 1998 mit metaphysischen Themen wie dem Absoluten, der Zeitlichkeit und Identität beschäftigen. Dabei versteht Borower das God-Project als ein „Versuch“, der keiner strengen Methodik folgt, sondern mit den Mitteln der Kunst ein Thema aus verschiedenen Perspektiven betrachtet. Es geht ihm um eine offene, unabgeschlossene Form der Auseinandersetzung, die keine Wahrheiten vermittelt, sondern Assoziationsräume eröffnet.
"Für mich ist die Kunst die angemessenste Form, um über die wichtigen Themen unserer Existenz, über die Fragen nach Sein und Zeit nachzudenken. Hier kann ich mich ihnen über die Grenzen der Gattungen und der Diskurstechniken hinweg nähern. Mit den Mitteln der Sprache, der Malerei und Plastik. Reflektierend und emotional. Jedes Medium zeigt andere Wege, jeder Zugang schlägt andere Lösungen vor. So umkreise ich mein Thema, auf der Suche nach Möglichkeiten und nicht nach Wahrheiten.“ (Djawid C. Borower)
 

Djawid C. Borower

The God Project

19.07.2013 - 28.09.2013
 

Jan Davidoff

Jan Davidoff

Bridging A Gap

17.05.2013 - 29.06.2013
Unter dem Titel Bridging a Gap zeigt die Galerie Andreas Binder erstmals in einer Einzelausstellung aktuelle Werke des deutschen Künstlers Jan Davidoff. In seinem bereits sehr beachtlichen Œuvre hat Davidoff gleichsam seine ganz eigene Bildsprache gefunden, die mit einer großen technischen Bandbreite interferiert.
Die Ausstellung Bridging a Gap widmet sich der Auseinandersetzung des Malers mit der anthropogenen Landschaft. Dieser Begriff umfasst die Welt aus der Sicht Davidoffs, die sich ihm als eine Kulturhistorische präsentiert. Dieser Vorstellung folgend untersucht er in seiner Malerei das Wechselspiel von Kultur und Natur, indem er die Welt innerhalb ihrer natürlichen sowie den vom Menschen geprägten Stufen porträtiert. Das Betrachten seiner Bilder gleicht daher oftmals einer Reise auf der Suche nach dem Ursprünglichen. Immer tiefer verstrickt sich der Mensch dabei in seiner eigenen Existenz, egal ob er in einer Menschenmenge aufgeht, Kathedralen, Hochhäuser in ihrer Gewaltigkeit um sich schwirren sieht, den Blick auf scheinbar unendliche Bachläufe richtet oder aber das Dickicht des Waldes ihn seine geringe Größe im Angesicht der übermächtigen alles überwuchernden Natur erfahren lässt. Doch die Perspektiven scheinen sich dabei zu verändern, wer oder was ist denn Kreatur und wer der Kreator? Wer schafft was? Oder vielmehr, was schafft wen? Grenzen heben sich auf, Naturgesetze verschwimmen, Isolation verschwindet, alles scheint eins zu sein - und ist es doch nicht.
Exemplarisch kann dieser Prozess anhand des Bildes „Zuwachs“ nachvollzogen werden. Ein starker Baumstamm, dünnes sich ins Endlose emporstreckendes Geäst demonstriert auf filigrane Art die Gewalt der Natur sich des vom Menschen Geschaffenen zu bemächtigen. Jedoch wirkt der Baum seiner Lebendigkeit beraubt, schwarz, traurig. Der konturenbetonte, fast holzschnittartige Baum bricht sich auf dem spiegelnden fluoreszenten Untergrund, einander sich ausschließende Gegensätze werden eins und heben sich doch deutlich voneinander ab.
Davidoff lotet die ganze Bandbreite malerischer Techniken aus, da er neben Arbeiten auf Leinwand aktuell auch Edelstahlplatten oder patinierte Kupferplatten als Grundlage für seine Malerei verwendet. Durch das Zusammentreffen des reduzierten Farbauftrags und des weichen, zähen Metalls, welches in Form gebracht und schließlich auf einen massiven Holzkern überzogen wird, erhalten Davidoffs Bilder ihre besondere Wirkung, bei dem der Malgrund überaus spürbar wird. Hier weisen bereits die Materialien die fruchtbare Wirkung von Mensch und Natur auf, denen der Künstler durch spezielle Schleiftechniken Reliefcharakter und dadurch Dreidimensionalität verleiht. Die auf seinen Bildern reduzierten und abstrahierten Menschen oder Gebäuden werden besonders aufgrund jener Technik deutlich hervorgehoben. Auf diese Weise vermag er dem einfachen visuellen Wahrnehmungsakt eine weitere, fast magische Dimension zu entlocken.

Jan Davidoff (*1976 in Norden) lebt und arbeitet in München und Utting am Ammersee. Er absolvierte sein Studium 2009 an der Akademie der Bildenden Künste bei Prof. Günter Förg und Prof. Anke Doberauer in München. Studienreisen durch China, Indien, Südostasien, Amerika. Kürzlich wurde ihm der Art Award Seligenstadt verliehen. Nationale sowie internationale Ausstellungen unter anderem: TS Art projects, Berlin, Museum Villa Stuck, Hal Bromm Gallery, New York, Studios of Key West, Florida, EKFF (Eileen Kaminsky Family Foundation), NYC, USA. Darüber hinaus werden seine Werke auch auf internationalen Messen in NY, Miami, Seoul, etc. präsentiert.

Abbildung
Jan Davidoff
Zuwachs, 2013
Mischtechnik auf Leinwand
190 x 280 cm
 

Martin Borowsky, Paul Winstanley, Louise Lawler

Martin Borowsky, Paul Winstanley, Louise Lawler

Gruppenausstellung – A Space for Contemplation

20.03.2013 - 11.05.2013
Paul Winstanley
Man watching TV 2, 2003
Öl auf Leinwand, 90 x 120 cm (Ausschnitt)

Der Künstler Paul Winstanley befasst sich mit traditionellen Genres der Malerei, wie dem Interieur, Stillleben und der Landschaft, die er durch die Linse der Photographie einer Filterung unterzieht. Winstanleys Bildsprache stammt aus Photographien, meistens seinen eigenen. Zugleich methodisch und melancholisch, erinnern seine meist in gedeckter Farbpalette gehaltenen, malerischen Abbildungen von Landschaften, menschenleeren Passagen, Lobbies und Trottoirs, verlassenen College Fernsehräumen und anonymen Interviewzimmern, an einen verschwommenen Schwarz-weiß Schnappschuss. Schwankend zwischen dem Banalen und traumhaften, gewinnen seine Bilder ihre Schönheit aus den gewöhnlichen Orten des modernen Lebens. Seine Subjekte sind alltäglich aber psychologisch aufgeladen; erfüllt von einem fast filmisch anmutenden Gefühl von nahe bevorstehender Handlung, die sich jeden Moment ereignen wird. Er bildet Grenzmomente ab, die auch aus einer anthropologischen Sicht herrühren könnten; die Position des Künstlers ist stets geprägt von kühler Distanz. Trotz der Alltäglichkeit dieser ruhigen, entvölkerten Räume, verleiht Winstanley ihnen eine Stimmung der Melancholie oder Romantik, indem er ihre psychologische Untermauerung offen legt. Die künstlerischen Einflüsse Winstanleys reichen von Vermeer über Brice Marden bis hin zu Richard Hamilton. In seinen Werken beschäftigt er sich sowohl mit der Frage, wie das Photo unsere Seeerfahrung beeinflusst als auch wie eine gemalte Welt der vermeintlichen Neutralität der Photographie entgegentreten kann.
Paul Winstanley (*1954 in Manchester, GB) lebt und arbeitet in London. Seine Ausbildung erhielt er an der Lanchester Polytechnic, Coventry, England; Cardiff College of Art, Wales; und an der Slade School of Fine Art, London. Winstanley hat bereits in den USA und Europa ausgestellt. Winstanley wurde bereits in zahlreichen Gruppenausstellungen, wie etwa in der Kunsthalle Hamburg (2011), im Irish Museum of Modern Art (2009), im Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2008), in der Renaissance Society, Chicago (2002); und der Tate Gallery, London (1998) gezeigt. Seine Arbeiten befinden sich neben vielen anderen in Sammlungen wie der MOCA LA, IMMA, Tate, und des Colby College Museum of Art, Maine. Kürzliche Einzelausstellungen fanden in den Galerien Munro, Hamburg, 1301PE, Los Angeles, Kerlin Gallery, Dublin und Mitchell-Innes & Nash, New York, statt. Galerie Andreas Binder arbeitet seit 1994 mit dem Künstler.

In ähnlicher Herangehensweise begegnen die Werke Martin Borowskis dem Raum – eines seiner bevorzugten bildnerischen Sujets. Bei aller Vielfalt innerhalb seines Œuvres zeigt sich seit 2002 in der Malerei und seit 2006 in den druckgrafischen Arbeiten des Künstlers ein besonderes Interesse für Interieurs und deren Details. Die Räume sind zwar meist vom Standpunkt eines Menschen gesehen, der sich in ihnen befindet, doch die Räumlichkeiten selbst sind oft menschenleer und zeugen von einer unbewegten Stille. Wenn doch einmal eine Figur schemenhaft auftaucht, ist sie weder Teil einer Geschichte noch erzeugt sie eine psychologische Spannung, sondern erscheint vor allem als belebende Staffage. Die dargestellten Örtlichkeiten sind anonymisierte, halb öffentliche Sphären: Büros, Bistros, Einkaufspassagen, Museumsräume, Wartehallen in Flughäfen und in Hotels sowie Verkaufsräume von Luxusgeschäften. Es sind also keine privaten, in sich abgeschlossenen Welten, keine bergenden Gehäuse, die bildlich als psychische Resonanzräume ihrer »Bewohner« fungieren könnten. Die Bildgattung des Interieurs ist bei Borowski demnach keine Metapher der Innerlichkeit oder des Intimen. Jedoch ist es weniger der Mangel des Privaten als vielmehr das meist in künstliches Licht getauchte, minimalistische Design der Räume, das eine strenge und atmosphärisch kühle Sinnlichkeit erzeugt.
Martin Borowski (*1970 in Hoyerswerda) studierte von 1994 bis 1999 an der Hochschule für Bildende Künste (HfBK) in Dresden. Von 1999 bis 2001 war er Meisterschüler bei Professor Ralf Kerbach an der HfBK Dresden. Seine Arbeiten wurden in Einzelausstellungen in Dresden, Berlin, New York und Rom gezeigt, sowie unter anderem in Gruppenausstellungen in den Kunstsammlungen Gera, im Helsinki City Art Museum, im Residenzschloss Dresden, im Museum Moisbroich Leverkusen und zur 2. Prag Biennale ausgestellt. Martin Borowski lebt und arbeitet in Berlin. . Galerie Andreas Binder zeigte Martin Borowski erstmals 2009 in der Ausstellung Pictures of Pictures.

Louise Lawler hat ihr künstlerisches Schaffen der Untersuchung der Lebensdauer von Kunstobjekten verschrieben. Ihre Photographien zeigen Kunst im Haus des Sammlers, im Museum, im Auktionshaus und der Galerie und in Lagerräumen. Ihre Werke zeugen von einer anhaltenden Reflektion über Ausstellungsstrategien, die maßgeblich die Wirkung und Ausbreitung von Kunst beeinflussen. Die allumfassende Aussage von Lawlers Photographien ist ein stilles Beharren auf die Kontextabhängigkeit, welche die Bedeutung von Kunst definiert. So ist auch das Bild „It could be Elvis“ mit einem kleinen Ausschnitt von Warhols Siebdruck von Joseph Beuys, ein Versatzstück in neuem Raumarrangement und mit bewusst in die Irre führendem Werktitel. Mit Ironie versetzt, verweisen Lawlers gewitzte, treffende und prägnante Photos auf eine große Zahl oftmals übersehener Details – beinahe einem Freudscher Versprecher gleich – die stillschweigend das unaussprechliche zu Tage bringen, was üblicherweise als Macht der Kunst angenommen wird.
Louise Lawler (*1947 in USA) studierte an der Cornell University, lebt und arbeitet in New York. Ihre Werke sind weltweit in zahlreichen großen Sammlungen wie dem Museum of Modern Art in New York, dem Art Institute of Chicago, und Tate Britain in London vertreten. Ausstellungen fanden bereits im Whitney Museum of American Art in New York im Jahr 1991, auf Biennalen in den Jahren 2002 und 2008, im Hirshhorn Museum und im Skulpturengarten in Washington D.C., sowie im Museum für Gegenwartskunst in Basel und dem Stedelijk Museum in Amsterdam. Galerie Andreas Binder zeigte Louise Lawler erstmals 2009 in der Ausstellung Pictures of Pictures. Vom 13. Oktober 2013 bis Januar 2014 wird Louise Lawler in einer umfassenden, retrospektiven Einzelausstellung im Museum Ludwig, Köln, gezeigt.
 

Stefan Hunstein

Stefan Hunstein

Fünf Farben / Prosperos Wald

22.01.2013 - 16.03.2013
Stefan Hunstein
Fünf Farben, 2.2011
UV-Direct Print, 115 x 140 cm
Auflage 5

Nebel umhüllt einen magischen Wald.
Fünf Farben flirren in der Luft.
Ein Blütenmeer zieht Gedanken in seine Tiefe.
Gesichter aus der Dunkelheit blicken uns an.

Stefan Hunstein schafft mit seinen neuen fotografischen Arbeiten eine Projektionsfläche, in der erzählerische Phantasie und bildnishafte Realität intensiv ineinander verwoben sind. Die Bilder gewähren uns Einblicke in ein zauberhaftes, geheimnisvolles Land. „Prosperos Wald“ ist ein von der Zivilisation abgeschiedener Ort. Eine Insel des Schweigens, des Zaubers und der Hoffnung. Es ist eine Landschaft, die vielfältige Möglichkeiten von Entdeckungen bietet. Stoff, aus dem Träume erwachsen, wundersame Geschichten entstehen, Begegnungen stattfinden. Alles scheint möglich, wenn wir uns nicht auf uns selbst beschränken, sondern auch der Poesie die Kraft des Persönlichen zugestehen. Männerportraits, die uns wie aus der Vergangenheit heraus anschauen, bilden einen Dialog mit dieser poetischen Welt.
Stefan Hunsteins Arbeiten sind das Ergebnis einer intensiven, langjährigen Auseinandersetzung mit dem Medium Fotografie und den damit verbundenen Grenzen und Möglichkeiten der Wirklichkeitskonstruktion. Mit seinen Fotoarbeiten erschafft er Räume für vielfältige Interpretationen. Die Bilder aktivieren unser Sehen, verführen uns zum Wahr- Nehmen von Wahrscheinlichem und Unwahrscheinlichem: Wirklichkeitsmagie. Es bricht sich die fotografische Momentaufnahme mit ihrer individuellen Bearbeitung im Weiterdenken und Weitersehen.
Stefan Hunstein (*1957 in Kassel) stellt seit den 80er Jahren regelmäßig aus u.a. 1995 in der städtischen Galerie im Lenbachhaus München, 2002 im Haus der Kunst, 2008 zeigte er seine Installation „Gegenwart...!“ im Diözesanmuseum Freising; 2009/ 2010 Ausstellung „Man Son 1969. Vom Schrecken der Situation“ in der Hamburger Kunsthalle sowie in der Villa Merkel in Esslingen; 2010 “Schön war’s” Buchpräsentation, Ausstellung und Lesung im Haus der Kunst.
Seine Werke sind Teil zahlreicher bedeutender Sammlungen wie der des Deutschen Bundes, der ADAC Sammlung, der Sammlung der Pinakothek der Moderne, der Sammlung Thurn und Taxis und der UniCredit Sammlung. Der Künstler lebt und arbeitet in München.
 

Anna Navasardian

Anna Navasardian

Gathering Layers

25.10.2012 - 19.01.2013
Anna Navasardian
Kids 4, 2011, Acryl
auf Leinwand, 76 x 152 cm

Unter dem Titel Gathering Layers zeigt die Galerie Andreas Binder erstmalig aktuelle Gemälde und Zeichnungen der 1988 in Armenien geborenen und in NYC, USA, lebenden Künstlerin Anna Navasardian. Navasardians Arbeiten verwenden die Sprache der Portraitmalerei und die Tradition der Figurenmalerei, um die Grenzen, die persönliche und konstruierte Identität trennen, unkenntlich zu machen. Die Vorlagen für ihre dynamischen Subjekte nimmt sie dabei aus Quellen wie Photographien von Ihrer und anderen Familien aus der Sowjetzeit, Vintage - Magazinen sowie Portrait- und Aktsitzungen mit Modellen. Die daraus entstehenden Charaktere legen verdeckte Wahrheiten und vergrabene Bedeutungsebenen durch den kraftvollen Pinselduktus und die verwendete Farbpalette offen. Anna Navasardian behandelt Themen wie Identität, Pubertät, Heranwachsen und Erinnerung in ihren Kompositionen, die die Vielschichtigkeit der Realität untersuchen. In der Gartenserie beispielsweise suggerieren pulsierende Pinselspuren die flüchtigen Gedanken, die eine Familie umgeben. Die Gedanken zerfließen in und mit ihrer physischen Umgebung, verschmelzen mit dem Gebüsch an einem Punkt des Bildes; an einem Anderen, lösen sie sich in dem Muster des Kleides einer Frau auf. Anna Navasardian setzt die Ölfarbe in ihrer Rohheit ein und benutzt sie für eine analytische Komposition von Personen auch um das Unsichtbare, das in Ihnen innewohnt, sichtbar zu machen.
Anna Navasardian ist eine Absolventin der Carnegie Mellon University und hat bereits zwei renommierte Preise gewonnen, den Samuel Rosenberg Award als vielversprechende junge Künstlerin und den L. Porter Award. Sie wurde in Armenien geboren und lebt und arbeitet momentan in New York City.
Begleitend zur Ausstellung erscheint ein Katalog.
 

Yigal Ozeri

Yigal Ozeri

The Boathouse

14.09.2012 - 20.10.2012
Yigal Ozeri , Untitled (The Boathouse), 2012,
Öl auf Leinwand, 39 x 25 cm

Die Galerie Andreas Binder präsentiert die Einzelausstellung „The Boathouse" des israelischen Künstlers Yigal Ozeri. In seinen Ölgemälden und Zeichnungen zeigt Yigal Ozeri junge Frauen umrahmt von Landschaften. Vor allem die Gemälde zeigen einen frappierenden Realismus in denen deutlich die psychologische Präsenz der abgebildeten Protagonisten zu spüren ist.
Ozeri erreicht dies, indem er sich zunächst mit den Mitteln der Fotografie und den Vorlagen aus Videotechnik für seine späteren Gemälde und Zeichnungen beschäftigt, um sie dann mit unzähligen dünnen Pinselstrichen auf Leinwand oder Papier zu übertragen. Viele erscheinen wie auf einem Standfoto: unvermittelt aufblickend, selbstvergessen, mit einem unbefangenen Lächeln oder mitten in Bewegung durch die üppige Umgebung. Andere blicken den Betrachter unverblümt an, als wollten sie ihn herausfordern und verunsichern. Auf jedem dieser Gemälde fängt Ozeri die Verletzlichkeit des weiblichen Körpers ein, alle Figuren sind im Alter des Übergangs vom jungen Mädchen zur reifen Frau. Nach der Auswahl des Ausgangsmotivs beginnt der malerische Prozess, dessen Resultat ein filmisches Portrait von fast fotografischem Realismus ist. Mit größter Sorgfalt inszeniert, spiegelt es wie eine Installation der Konzeptkunst den high-definition Realismus wieder, der die moderne Medienwelt, Film und Fernsehen eingeschlossen, wie ein roter Faden durchzieht, während die fast unsichtbaren Pinselstriche nach Art der traditionellen Trompe-l’oeil Malerei an die theoretischen Konzepte von Wahrnehmung und Illusion erinnern.
 

Hot town, summer in the city…

Hot town, summer in the city…

Gruppenausstellung

19.07.2012 - 08.09.2012
Julio Rondo, Matthias Meyer, Izima Kaoru, Thomas Stimm, Dieter Rehm, Hadrien Dussoix, Tim Maguire, Stefan Hunstein, Han Schuil, Haiying Xu und Martin Borowski
 

Han Schuil

Han Schuil

Neue Arbeiten

15.05.2012 - 28.06.2012
Galerie Andreas Binder freut sich die zweite Einzelausstellung von Han Schuil ankündigen zu dürfen.

Han Schuil verfügt über einen kontinuierlich, aber nur langsam anwachsenden Motivschatz, den er mehr oder weniger intuitiv aus dem Alltagsvokabular unserer Umgebung herausgelöst hat: abstrahierte Verkehrszeichen und Straßenmarkierungen, leere Fenster und Augen, ausgelöschte Schriftzeilen und Blechblase gehören ebenso dazu wie die comicartig aufgeblendeten Signets von Explosionen und Wolken. Mit diesen Basiselementen setzt er auf mal quadratischen mal rechteckigen mal balkenhaften Bildträgern aus Alu seine Erinnerungsmarken, als seien es Interpunktionen des verdichtet Realen innerhalb geometrisch generös unterteilten oder auch kleinteiliger parzellierten Farbflächen. Manchmal kommt als fast schon ironisches Aperçu ein oft widersinnig gesetzter Schattenwurf hinzu, wie etwa Nummer 9; Heat IV, wo sich um rot aufflammende Leuchtioden innerhalb eines imaginierten Schaltkreises grün schattierte Zonen bilden. Es ist eine unserem Medienzeitalter adäquate Weiterführung dessen, was der jung verstorbene Künstler Blinky Palermo in den 1960er Jahren begonnen hat. Palermo bereits brach den hermetischen Kanon einer selbsreferentiellen konstruktivistischen Kunst auf, indem er unter anderen Muster des Gebrauchsdesigns in die Malerei übersetzte.
Doch bei Han Schuil wird allein schon durch die oft auf Hochglanz getrimmte Oberfläche aus Lackfarbe zugleich die Sphäre der poppigen Werbewelt wie des schnittigen Automobils heraufbeschworen. „Ich beschäftige mich mit dem Signaleffekt eines Bildes, das in der Folge wie eine Ikone eine konzentrierte Reflektion aufruft. Meine Gemälde müssen einen Moment repräsentieren, der einen still stehen lässt.“ Unabhängig von dieser Konzentration glaubt man bei den einzelnen Gemälden förmlich einen zeitlichen Rhythmus in der festgehaltenen Sequenz der Bildzeichen zu erspüren. So erschließt sich beim Betrachten der extremen Querformate Nummer 1 und Nummer 4 in der Abfolge der Farbbalken eine Art Stakkato, auf den quadratischen Bildern wiederum finden sich an musikalische Kompositionen erinnernde Kontrapunkte gesetzt. Erst bei näherer Betrachtung der Farbhaut wird man innerhalb der während des Malprozesses durch Klebebänder abgegrenzte Flächen nuancierte Pinselstriche ausmachen können. Schuil sagt: Ich strebe nach einem Bild von der Wirkkraft eines Verkehrszeichen und der Intensität der flämischen Primitiven.“ Und er, der den Faltenwurf der Alten Meister liebt, verpasst seinen veritabel in die dritte Dimension ausgefahrenen Bildkörpern oft Dellen, so dass sich in den Knautschzonen das Licht wie in den gemalten Gewändern eines Jan van Eyck verfängt. Zu Han Schuils herausragenden Qualitäten gehört, dass er traditionell widersprüchliche Faktoren wie Geometrie und Kolorismus, Farbfläche und Pinselschrift, Pop und Subjektivität, Tafelbild und Körperhaftigkeit, Statik und Rhythmus in ein prägnant ausbalanciertes Spannungsverhältnis überführt. (Dr. Birgit Sonna)

Han Schuil lebt und arbeitet in Amsterdam. Internationale Gruppen- und Einzelausstellungen seit 1983, unter anderem in Stedelijk Museum, Amsterdam; Gemeentemuseum Den Haag, Stadsgalerij Heerlen, NL; Pinacoteca São Paulo en Museo de Arte Moderna Rio de Janeiro; Shanghai Art Museum; Singapore Art Museum; Centraal Museum, Utrecht; Staatliches Museum Schwerin & Stadtgalerie Kiel; Galerie Gebrüder Lehmann, Dresden; Casino Luxembourg, Luxemburg; Galerie Onrust Amsterdam; Hamish Morrision Galerie, Berlin, etc.
 

Matthias Meyer

Matthias Meyer

Vom tatsächlich Sichtbaren

16.03.2012 - 12.05.2012
Unter dem Titel Vom tatsächlich Sichtbaren zeigt die Galerie Andreas Binder im Rahmen einer Einzelausstellung die aktuellen Werke des Künstlers Matthias Meyer.

Es ist längst zum Ritual geworden, Abstraktion und Figuration als antagonistisches Paar der Malerei gegeneinander auszuspielen. Seit der Moderne hat sich diese Dichotomie einschließlich ihrer jeweiligen Parteibildungen hartnäckig und selbst wider besseren Wissens gehalten. Einer jüngeren Generation von gelassen zwischen den beiden Polen changierenden Malern scheint nun aber die Auflösung der anachronistischen Demarkationslinien zu gelingen. Matthias Meyer gehört dank der technisch-konzeptuellen Raffinesse seiner lasierenden Malerei zu dieser Phalanx in Deutschland. „Ich bin mir im Grunde nicht einmal sicher, ob es überhaupt abstrakte Bilder gibt“, sagt der in Göttingen gebürtige Künstler. Im Umkehrschluss dazu könnte man angesichts seiner motivisch diffundierenden Ölmalerei auch behaupten, dass es in seinem Werk auch keine wirklich gegenständlichen Bilder gibt. „Vom tatsächlich Sichtbaren“ ist demnach als Appell zu verstehen, die Phänomenologie der Malerei immer neu auf ihren etwaigen Trugbildcharakter hin zu überprüfen.

Untergliedert in Themenbereiche wie Wasser- und Stadtlandschaften, Interieurs und Wälder, Untersichten und Konstruktionen fächern sich die aus der Natur sowie Urbanität entliehenen Leitmotive Meyers in der Ausstellung auf. Matthias Meyer nutzt zwar Fotovorlagen und auch kleinere Acrylskizzen als Gedächtnisstützen, die Gemälde selbst entwirft er jedoch davon losgelöst in einem improvisierenden Duktus. „Es ist ein Risikomoment“, gesteht er. „Eigentlich baue ich das Bild abstrakt von hinten her auf, sobald ein Detail kenntlich wird, stoppe ich den Prozess wieder.“ Dem einzelnen Werk ist dieses fast traumwandlerische Vorgehen prima vista anzusehen. Auf den historischen Konflikt zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit spielt Matthias Meyer virtuos an, doch hat seine Malerei zugleich eine Offenheit, die der persönlichen, stark diversifizierten Wahrnehmung in unserer Gegenwart entgegenkommt. In einem Schwebeverfahren zwischen Unschärfe und Konkretisierung weist Meyer unsere retinalen Eindrücke als Phantasmen am Rande des Schwerkraftverlusts aus. (Dr. Birgit Sonna)
 

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21.10.2011 - 22.12.2011
2011, 100x100 cm, Mischtechnik und Papiercollage auf Leinwand