Initiative Münchner Galerien zeitgenößischer Kunst

 

Galerie Francoise Heitsch

Amalienstr. 19 • 80333 M
Tel. +49 89 48 12 00 • Fax +49 89 48 12 01
www.francoiseheitsch.defheitsch@francoiseheitsch.de
Wed–Fri 2–7 pm • Sat 12–4 p

Amalienstr. 19
80333 München

Current exhibitions


Upcoming exhibitions

3 Hamburger Frauen

3 Hamburger Frauen

Neu Hämelermoos

12.09.2020 - 13.11.2020
Mit großen Wandmalereien sind die 3 Hamburger Frauen aktuell in
der Ausstellung Feelings in der Pinakothek der Moderne vertreten.
Zur Open Art kommen die Künstlerinnen erneut nach München, um
eine Bild- und Raumkomposition in der Galerie Françoise Heitsch zu
realisieren.
In einer medialen Überlagerung verschmelzen Figuren und Grund
zu einem Tableau Vivant, das zwischen fixiertem Farbauftrag und
flüchtigem Licht, Stillstand und Bewegung, Unveränderlichkeit und
Vergehen der Zeit changiert. Die Protagonistinnen des Films sind
die Künstlerinnen selbst. Gemaltes Interieur, Requisiten und Handlungen
verdichten sich zu einem fiktiven Ort, an dem Sehnsüchte,
Träume und Biographien zusammenspielen. Die scheinbar aus Raum
und Zeit gefallene Szenerie, in der Film und Malerei allmählich ineinander
übergehen, löst die Vorstellung einer linearen Abfolge von
Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft auf. Zugleich wird die Installation
neuerlich zum Spiegel der Zusammenarbeit der 3 Hamburger
Frauen, in dem Fragen des eigenen Alterns wie auch das Gefühl der
Zeitlosigkeit des gemeinsamen Schaffens reflektiert werden.

3 Hamburger Frauen
I’ll Be Your Mirror, 2019
Acryl auf Wand, zweiteilige Wandarbeit
5 x 10 m
Ausstellung FEELINGS, Pinakothek der Moderne, München
Courtesy Galerie Françoise Heitsch
Foto: Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Johannes Haslinger

 
 

Past exhibitions

Mandira C. Helmich

Mandira C. Helmich

Insight

22.05.2020 - 18.07.2020
Mandira C. Helmich
Ohne Titel, 2016
Acryl auf Leinwand
120 x 160 cm

 
 

Susanne Pittroff

Susanne Pittroff

Reflexion

28.11.2019 - 15.05.2020
Ausstellungsansicht: Susanne Pittroff / Reflexion 2019

The word “reflection” describes the physical process of mirroring as well as the contemplation about a moment in time. In German as well as in British English two spellings are used: reflexion (“Reflexion”) and reflection (“Reflektion”). Contrarily to common use, German orthography only knows the spelling with an “X”. The differentiation between “Reflektion” for the use in the humanities and “Reflexion” for scientific fields is a pseudo-distinction which stands nonetheless in opposition to the two different spelling types in British English: “reflection” (scientific mirroring of objects and thinking) and “reflexion” (philosophical thought). With her title- choice for the exhibition of older and newer works Susanne Pittroff performs a gesture that is essential to her art-practice. She highlights a specific aspect in a system, in this case, within the system of synchronous German orthography, and stresses its boundaries and shortcomings.
The question of what an image can actually be and how it develops within an architectural space permeats Susanne Pittroff s entire artistic œuvre. Our exhibition reveals the variety of her practise with drawings, room installations, and minimalistic sculptures; it is a synchronous juxtaposition of diachronic works and combines well known with older, regained works. This exhibition is neither a retrospective nor a documentation of her many public art projects which nevertheless remain tangible in the background since they demonstrate the enormous scalability of her artistic approach. The exhibition “Reflexion” can be understood as a reflection on time and is driven, like most of Susanne Pittroff’s work, by the question of compositions within space.
Raimund Kühnel

 
 

Philipp Gufler, Eva Stefani, Antje Zeiher

Philipp Gufler, Eva Stefani, Antje Zeiher

Athen - München

26.09.2019 - 22.11.2019
The exhibition “Athen – München” (Athens – Munich) will display and bring together works by three remarkable artists in the Galerie Françoise Heitsch this autumn, reflecting the gallery owner’s ongoing engagement in the Greek as well as the Munich art scene. Philipp Gufler and Antje Zeiher have each already had several solo exhibitions and are well-known to the gallery’s audience; the Greek film maker Eva Stefani, on the other hand, a Biennale- and Documenta participant as well as the winner of the Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (International Short Film Days Oberhausen) will be exhibited for the first time in Munich.
Through the juxtaposition of such diverse artistic positions, (aesthetic) realms of experience are generated, which will initially unsettle the audience due to the works’ ambivalence. While “The Box” by Eva Stefani will move the onlookers closer to reality – closer to the loneliness of an elderly woman, who is in a permanent dialogue with her ‘box’, the television as her only conversational partner – Antje Zeiher’s images evoke ease and pure joy. They recall among other things music pieces, referred to as études or bagatelles, although they actually do constitute the main body of the works. Among the works are large-scale acrylic paintings, collages made out of cork, and paper planes, which evoke memories from school, but also the negative, which we today might associate with flight shame and drone war fare. Her works play with abstraction, since her compositions reveal every day objects, such as envelopes. It is, as if there was a conceptual short circuit, where the material itself becomes the object, the objects then form the structure, creating an abstract structure, which eventually defines the abstract through the material. In that respect, art historical relations are revealed; for example, with the paintings of the Neue Sicht (“De Nieuwe Visie”) of the 1970s. Yet, unlike this movement, there will be no assertions of having discovered a new perspective (and seen from an art historical perspective, the new is often proven to be wrong anyway). In this respect, Zeiher’s paintings reveal their beauty by remaining serious and yet playful at one and the same time.
If we follow the paper planes, we will eventually land at the video “The Box” (2004) by Eva Stefani in the basement section of the gallery. We see an elderly woman that interacts and communicates with her television. As witnesses to such an emotional and touching scene, which we often see in Stefani’s work, where both fiction and realism is are located equally, we learn about aspects of every day Athens life, which usually remain hidden. Just as in many of her video works, Stefani succeeds in capturing people and stories without have to restore to pathos in her images.
As the third position, we see as a continuation of his last solo exhibition at the Galerie Françoise Heitsch, the screen print works on mirrors by Philipp Gufler in a new juxtaposition. Initially, they appear to us as declinations of the abstract and the formal, yet, within, they reveal a certain symbolism and different art historical reference points. Furthermore, the matt mirrors reveal the very aspect that will shatter our conception of abstraction lastingly. We always see ourselves, and just as Narcissus, we often do not realise that it is us or we that are depicted by the work itself. The works are complemented by research in diary format including images and texts on long, vertical fabric strips, which recall trips to Portugal and Upper Bavaria, thoughts on Ludwig II, Hubert Fichte, intimate encounters, and queer history. As a whole it appears like the search for a narrative without authority and fixed identity. This is also why we find the following lines: “My records are records of mistakes, fallacies, and rash actions”. The self is conceived as ever changing, and thus at every gain of knowledge and every cementation of certainty, we must still assume the possibility of the opposite.
Raimund Kühnel

Galerieseite
Philipp Gufler
Orasol® Gelb 4gn_ Nickeltitangelb, 2018
Silkscreen print on mirror
119 x 135 x 0,8 cm

HOME, Reihung (Ausschnitt)
Antje Zeiher
Flugkörper , 2019
Acryl auf Kork
Größe variabel

Galerieseite und HOME, Slider (Ausschnitt)
Eva Stefani
Manuscript, 2017
12 Min, Filmstill
DOCUMENTA 14

 

 
 

Philipp Gufler

Philipp Gufler

I'm in love with a statue

02.05.2019 - 13.07.2019
„They are attacking me, hypnotizing my eyes.
It is extending into the space, onto my body. My body is vulnerable. I'm loosing control. My central-nervous system is numb.
It has to be removed, destroyed.“
from The Responsive Body by Philipp Gufler

Op Art from the 1960s communicates itself as an art movement of precision and control over the object and celebrates in overwhelming patterns the art of illusion. One of the heroes among Op Art’s various artists was Victor Vasarely, who, at the peak of his craft, was moved by the idea to provide his paintings with an all-encompassing presence. Renault’s logo, still, today, expresses how deep Vasarely immersed himself into each and every sphere of every day life. His foundation in Aix-en-Provence was meant to spread the artist’s ideas as a complete and total work of art. Vasarely created 42 monumental works, sized six to eight metres, for his museum.

For a few days at the end of last year, Philipp Gufler, together with a film crew and a team of befriended artists, visited the museum in order to grasp and process the ego and egocentrism of a painter, who inscribed deeply into Op Art his own DNA. Diogo Da Cruz, Johanna Gonschorek, Richard John Jones, Evelyn Taocheng Wang, Louwrien Wijers, and Philipp Gufler intended to formulate the impact of the works physically. The optical effects of the large-scale images affect those present, the act of seeing triggers extreme reactions in the body. Sensory overload leads to dizziness – similar to that suffered by the author Stendhal, who, during a visit of Santa Croce experienced a nervous seizure in Florence in 1871. During this performance, the Stendhal syndrome in front of Vasarely’s paintings constitutes a double-figure: through dizziness the impotence of the receiving attendees is revealed as well as the power the images hold over their senses.

In Gufler’s video installation The Responsive Body (2019), questions, directed at heteronormative, masculine self-conceptions of an art movement, arise. Gufler channelled texts by the British Op Art artist Bridget Riley into the film and thus provides her with space in an egocentric museum. In the exhibition, the film will be projected onto a foil, which resembles with its silkscreen pattern one of Bridget Riley’s designs. Thus, the projection brings Vasarely, Riley, and Gufler in a state of interaction. Gufler’s video installation deals with essential themes, which are intrinsic to Vasarely’s art and its reception: control over patterns and the act of seeing, the repetition of reproductions, the power over reception as well as narcissism and self-adulation.

The mirror case and the triangle-shaped mirrors on the first floor in the gallery, paraphrase these motives. The pink angle, too, which gay concentration camp inmates had to wear visibly during the time of national socialism, formulates the obsession with geometric figures; twenty years later, Op Art extracted through the calculable forms of geometry their identity. From the mirrors away leads a way to the unfinished castle Herrenchiemsee, purchased by the Bavarian King Ludwig II, who planned Versailles’ reincarnation on the Chiemsee island. In the office of the gallery hangs a quilt, which Gufler dedicates to the dreamer and self-appointed “Grail King” Ludwig. In the exhibition I’m In Love With A Statue, a dialogue between time and space develops; the Bavarian king is at one and the same time partner and antipode of Victor Vasarelys. Herrenchiemsee of 1878 meets the foundation of 1976; the great mirror gallery of the castle on the Chiemsee island reflects not only are the phantasms of the king, but also those of Vasarely’s project on great art – their heroic masculinity is satirised.
Burcu Dogramaci

Installation:
– Perlglanz Pyrisma MAGENTA _ Orasol® Rot 395, 2018, Siebdruck auf Spiegel 84 x 82,4 x 0,4 cm
– XSL Heliogenblau® Blau, königsblau-Indanthrenblau, 2018, Siebdruck auf Spiegel, 61 x 56 cm x 7 cm
– Nickeltitangelb _ Orasol® Pink 478, 2018, Siebdruck auf Spiegel, 61 x 56 cm x 7 cm
– Paliogenmarron _ Perlglanz IRIODIN® Schwarz, (Indanthrenblau), 2018, Siebdruck auf Spiegel, 84 x 82,4 x 0,4 cm

 
 

Dora Economou & Yasemin Nur

14.03.2019 - 12.04.2019
 

Maximiliane Baumgartner / Gözde İlkin

Maximiliane Baumgartner / Gözde İlkin

31.01.2019 - 01.03.2019
Maximiliane Baumgartner: Sleepy Tongue
Gözde İlkin: Cruise of Endless Confession

Gözde İlkin
Absent Demonstration, 2018
embroidery and painting on natural dyed fabric
116 x 146 cm

Gözde Ilkin / Cruise of Endless Confession
Where, at which time begins the place the voice cannot reach
Which past is to be erased for this place to cease to exist
The fear, which her heart thought of suspiciously, has eaten itself
I stutter, you tell the friendly noises well-disposed of the finger prints
Moments, which occur in dreams once they are lined up
For I would be cold going outside, if I had to plunge into the water once again.
The works shown in the exhibition attempt to communicate – through the language of images and the medium of video art – what happens to our memory, if it is systematically manipulated.
The sound video, which gave the exhibition its name, is screen onto fabric. It reveals a mental landscape, which cannot ever be reached. It is an essay on memory and loss.
The other works displayed here are: Darstellung dessen was man nicht sieht, Illusion, Flüstern, Winkel der Abweichung, and Falle [Representation of that which cannot be seen, Illusion, Whispering, Angle of Divergence, and Trap]. These works stand for the individual and the collective memory.
The video die unendlichen Tauchgeständnisse [infinite diving objects], which lasts 12 minutes and 15 seconds (link: https://vimeo.com/184913398), is the central work of the exhibition.
It is a space, in which time exists between the past and the future, yet remains fully constraint and entrapped. The figures, which are sewn directly onto the fabric, do not reach their full and final meaning until the video is projected onto it. It is this dialogue that gives back memory to the figures. The mental landscape is the space that stands for oblivion and loss.
Already the titles of the works are programmatic for the exhibition. In relation to this, the work Darstellung dessen was man nicht sieht can be highlighted. The work uses vegetable dye. Similar to the plant kingdom, where the co-existence of diverse plants is possible, here, too, a collective existence is depicted, which is enriched through the diversity of the individual.
Die Falle depicts flies and insects, which had been outsmarted by a plant. Here, however, with this juxtaposition, it remains unclear who trapped whom.
Art like an alphabet in order to give form to the quest for meaning, such is the everyday world of Gözde Ilkin, who lives in Istanbul.

Maximiliane Baumgartner / Sleepy tongue
The painting series sleepy tongue shows sketches of tokens in the form of painting tableaus.
The paintings create the framework for a school critical setting and refer to a discussion that interrogates the School as a recently forgotten place for institutional critique to emerge. They thus also consider themselves to be a commentary on the contemporary overarching demand for the School to be a time framed space, yet also a space that actively shapes experiences for children and teenagers.
The School is one of the first and most universal spaces in which certain roles are institutionally shaped and allocated. As part of public and private demands, it is today, more than ever, reliant on docile and teachable bodies. The designed sculptures evade direct participation and thus pose questions on the limitations of often hastily summoned participation structures in the contemporary educational system, in which art often becomes a substitute role.
Maximiliane Baumgartner work spans across the medium of painting as well as the fields of performance, pedagogy, and self-publishing. Through her interest in the public realm and its opposite, she develops (often in a collaborative manner) artistic interventions. Painting, for her, therefore becomes a field of social action. Since 2014, she has been working with the idea of pedagogic play settings; she is also researching its historical predecessors and searches for emancipatory possibilities for a critical and feminist pedagogy to emerge through the artistic process.

 

 

 

 
 

Antje Zeiher

Antje Zeiher

Fiction

08.11.2018 - 21.12.2018
Antje Zeiher
o.T., 2018
Öl auf Leinwand
40 x 50 cm

Based in Munich, the artist Antje Zeiher is a storyteller. Most of her vertically formatted images are strict compositions made out of extensively applied acrylic paint and geometric forms. With the aid of lines, she structures the space, defines areas, creates meeting points and passages, and thus orders layers in a multi-perspective image. Yet, no pure or simple abstract works are created.
Zeiher‘s minimalist form language is filled with subtle hints at familiar objects. The free play of associations begins: one enters his/her own world by assembling the given hints into a new narrative thread and thus adding further to the already begun story. Zeiher plays in her large-sized paintings mainly with perspective. The works contain several perspective breaks, which create depth on the canvas and seemingly also highlight individual areas. It is tempting to move a step aside to gain a glimpse behind the scenes. In her small-scale works, she seems to focus on a specific detail taken from her larger works – this creates depth, since she presupposes these. Spatiality unfolds into which secrets are inscribed. The artist thus plays with the desire of discovering the hidden: on the one hand, insurmountable boundaries for the spectator are created; on the other, Zeiher breaches these with small openings. Insistence is given way in a playful manner, the look is directed freely at that which is still veiled. This is the foundation of storytelling: Zeiher’s artistic depth dimension found in her paintings as well as her object art creates productive spaces, which thanks to the abundance of hints prompt each spectator to fill with his/her own associations.
Here, Zeiher’s background in visual arts and the art of storytelling touch: both relay on the underlying knowledge that the world is not fully tangible, its last secrets can never be fully revealed. This boundary is the condition for what we call fiction. The various arts draw from this by confiding in it. This is the point from which Zeiher develops her virtuosic form language.
Judith Csiki

 

 
 

Ergül Cengiz

Ergül Cengiz

Somnabulistan, Malerei und Installation

15.09.2018 - 26.10.2018
In Ergül Cengiz’s exhibition ZERRE (Turkish: Partikel) large-sized paper cuts, linoleum prints as well as pen and ink drawings are on display at Galerie Françoise Heitsch. The main theme of Ergül Cengiz’s work are the various different viewing habits traceable within the occidental and the oriental traditions. She interweaves both ways of seeing in tangible spatial installations. She experiments skilfully with forms, patterns, and colours while she leads us astray at the same time – as if it were a game. Upon closer inspection, we will catch ourselves trying to figure out whether a particular pattern originates from an oriental or occidental background. And, how could we be even sure, if the Orient has fascinated and kept Europe under its spell with its opulent yet also modest ornaments for centuries. As an occasionally retrievable contingent of valuables, for us, the Orient is subconsciously ever-present. There, it remains untouched by any cliches, often used if something alien becomes the synonym of something hostile. We are rewarded once we perceive the sparkling force that originates between Orient and Occident, and once we learn to define it as the source of tolerance and aesthetic as well as a signal for peaceful coexistence.

Ergül Cengiz
Gitter, 2016
Scherenschnitt, Öl auf Papier
30 x 28 cm
 

UMAY

UMAY

3 Hamburger Frauen

21.06.2018 - 25.07.2018
Ergül Cengiz
Henrieke Ribbe
Kathrin Wolf

The exhibition “Umay” (Turkish: Goddess of women and children), created by the artist collective “3 Hamburger Frauen,” is a unique temporary and accessible installation at the Gallerie Françoise Heitsch, Munich.
For “Umay” the artists Ergül Cengiz, Henrieke Ribbe, and Kathrin Wolf collaged filigree drawings, expressive paintings, ornamentation, and portraits in the style of the old masters on the walls and in the space itself. It is due to the interplay of two- and three-dimensional elements together with transparent lightness and the dark depth of the space, the work is interwoven to a multifarious “3 Hamburger Frauen cosmos.” It is shaped by the conditions and the collaborative spontaneity at the respective locations, but receives its density also through the long-standing artistic collaboration of the three women.
The new work displayed at the Galerie Françoise Heitsch is dedicated to the campaigners of the women suffrage and its 100th anniversary and builds content-wise on the last wall collage “Wild Thoughts” (400 x 300 cm), shown in the exhibition “Sexed Power” at the MOM Art Space in March 2018. Central to the image is a drawing of five feminists, the so-called “radicals.” The template for the drawing is a photograph, which originated in the Munich-based photography studio “Elvira” in 1887. Furthermore, the artists present themselves as Cowboys of which one was supposedly in a relationship with Calamity Jane – a character shrouded in myth. Calamity Jane, who asserted herself riding and shooting in the Wild West, keeps the scenes of the image at bay with her rifle.
Humorously and in a self-staged manner, quotes derived from art and pop culture are employed in order to comment on current as well as historical topics. Due to the tense relationship between elements derived from gestural painting of abstract Modernity, reminiscences of COBRA, and colourful geometry, the 3 Hamburger Frauen are able to repeatedly give rise to questions on how gender stereotypes can be debated anew in contemporary painting.
Since graduating from HFBK Hamburg in 2004, Ergül Cengiz, Henrieke Ribbe, and Kathrin Wolf have been working together and have thus also been able to establish their own artistic signature. With their location-specific, often ephemeral space-consuming works, such as murals, installations, and collages, the collective has been presented at several Museums and Kunstverein.

 

 
 

Klaus vom Bruch & Natascha Kutschko

Klaus vom Bruch & Natascha Kutschko

Charcoal and censoring ink Drawings for the McLuhan Project

03.05.2018 - 15.06.2018
Why charcoal and censoring ink; drawings for the McLuhan Project?
The McLuhan Project consists of a recorded radio conversation with Marshal McLuhan from 1966 and a montage of contemporary pornographic Internet clips. Through the ironic juxtaposition of both, a new way of characterising the all-encompassing media-world emerges, which is reminiscent of the Sadean Tableaux and deconstructs the hidden desires that are part of the consumerist world appropriation.  Selected video stills from the project will be drawn with charcoal, while awkward parts will be covered with broad ink strokes by Klaus vom Bruch. The drawings by Natascha Kutschko are reminiscent of the images created by forensic draftsmen during court hearings where film and video recordings are a taboo. The sequence of the presented drawings prepare for the reception of a provocative video film. By resorting to academic design media this exhibition deconstructs the breach of a taboo, which has accompanied the history of technical reproducibility and therefore also became uncannily popular, due to the fact that intimate interactions of others can now be watched unpunished.
K.v.B. May 2018

 
 

Christina Calbari

Christina Calbari

Unveiled – Malerei

15.03.2018 - 28.04.2018
Unveiled is the second exhibition by Christina Calbari (born 1975 in Athens) at the Galerie Françoise Heitsch. The depicted individuals are again female and live in the 1950s or earlier. Jean Genet's The Maids was the inspiration behind these images. It is possible to literally feel the weakened self-confidence of the depicted individuals, which unfolds like a breeding ground for gloom and depression. The struggle between the past and thepresence is also palpable. The knowledge that one is seen only, if the social status is highly prestigious; that escaping lower social backgrounds is virtually impossible. The actions and facial features of the depicted females reveal a projection onto the seemingly unreachable opposite, and eventual self-destruction.
Christina Calbari employs a smooth and dark painting style. The colours, mainly brown and grey, express a lasting melancholia in a virtuous manner. Her girls transfer us back at a time when women were controlled in Europe too. In fact, nearly eighty years ago only very few women could determine their own destiny. Christina Calbari is interested, first and foremost, in the girls, who had no voice; or, only when they broke free from their constraints while the media would eventually finish them off. Her works remind us that women rights are nothing but hard-earned.
Unveiled represents the bare and uncovered, the moment of making visible, above anything else. Christina Calbari uses it as an indicator for everything that is wrong and as a metaphor for what has to be unveiled. Her girls stand for past and present injustices. Just like Jean Genet stood for the suppressed and the weak, the word unveiled serves Calbari as a warning, as a challenge to confront any such events and to get angry. Christina Calbari lives in Athens after all, and has to bear witness to the crisis’s effects on a daily basis.
Christina Calbari
Room VI, 2017
oil on canvas
40 cm x 30 cm

 
 

Susanne Mansen

Susanne Mansen

c'est la vie – Zeichnungen

27.10.2017 - 16.12.2017
Susanne Mansen
'Zitat', 2016
Tusche/Faden auf Nessel
55 cm x 80 cm
copyright Katharina Kreye

The exhibition c'est la vie is a hymn to life and a thank you for being alive and understood. Susanne Mansen draws for all of us. These are mature drawings, yet, they address the child in us. We, who are used to deal with serious matters the whole long day, even in art are we used to focus, begin to marvel about such offered tranquillity.
Font, sentence fragments, picture puzzles, animal figures, and organic material are layered, superimposed, to form an image-based narrative. Free are we supposed to wander through these stories, just like she continued without imposed limitation of stretcher frames, drawing on torn pieces of untreated cotton cloth and canvases, randomly sewing on pieces of fabric or not.
She sends us to go on Sunday strolls, forest explorations of long past times, moments of happiness, which form and invent their own images. A rare carefree attitude spreads, in which human and mythical creature meet. Time has come to a standstill on the densely crowded works. It flows into each and every direction, just like on a school yard; animal, human, sex, all in a tumble – provenance and species remain unimportant – as long as they are alive. If she then, however, writes with a red thread Ruhe [tranquillity], one has to stop and hold one’s breath. Are the red stitchings drops of blood, or just a short pause after which serene life will continue? Most likely a sign, an imperative of this time, a contemplation, a hint at the Middle Ages, because she wants to draw our attention to an essential change, that paradise today can be understood without guilty conscience.
 

Nikos Alexiou

Nikos Alexiou

The End

09.09.2017 - 21.10.2017
Im Jahr 1995 kehrte Nikos Alexiou (*1960 Rethymnon / † 2011 Athen) erstmals in das Kolster Iviron auf dem Berg Athos ein. Er begab sich dorthin, um die Zeichnungen des Mönchs Vasily Grigorovich Barsky aus dem 18. Jahrhundert zu studieren. Als er dort ankam, war ihm noch nicht bewusst, dass er fünf Monate bleiben würde, und dass ihn das marmorne Bodenmosaik aus dem 11. Jahrhundert noch mehr als die Zeichnungen fesseln würde. Ab diesem Zeitpunkt setzte er sich akribisch mit dem byzantinischen Mosaik auseinander. Alexiou kehrte noch einmal im Jahr 2000 zurück auf den Berg Athos, um sich nun ausschließlich und intensiver mit dem Bodenmosaik auseinander zu setzen und um es in seinen Details zu studieren. Im Anschluss nutzte er alle ihm zur Verfügung stehenden künstlerischen Medien, um neue Arbeiten zu schaffen. In einer täglichen, teilweise meditativen Auseinandersetzung mit dem Muster des Mosaiks, das prinzipiell nur den Mönchen zugänglich war, schuf Alexiou eine Vielzahl an Arbeiten, bei denen er sich der unterschiedlichsten Medien bediente. So zählten Papier, Stoff, Bambus und Stahl zu den Werkstoffen des Künstlers, aus denen er so viel gewinnen konnte. Er übersetzte uns seine Erfahrungen, das was er dort oben erspürt hatte und rettete so ein Stück von dem was damals war in unsere heutige Zeit herüber. Zum Abschluss, ganz am Ende seiner Reise schuf er eine Videoprojektion, bestehend aus einer austauschbaren Matrix, die aus unterschiedlichen Farbkombinationen der Mosaikdetails zusammengesetzt wurde. Diese Fragmente befinden sich in einer beständigen Drehung und stellen variable Gruppierungen von Grundformen euklidischer Geometrie dar.
Auf der diesjährigen Documenta kann man die Videoprojektion gleich im Eingangsbereich des Fridericianum sehen. In der Galerie wird sie in Kombination mit den Digital Prints gezeigt. Das Zusammenspiel von Videoprojektion und Printmedium erzeugt eine großartige Verdopplung der farblichen Vollendung.
Eine Kunst, die an Byzanz knüpft und doch so ganz von heute ist.

Bereits vor 10 Jahren, im September 2007, war die Videoinstallation von Nikos Alexiou in der Galerie Françoise Heitsch zu sehen. Auch bei dieser Ausstellung konnte man einen anderen Teil des Iviron Zyklusses „The END“ im Griechischen Pavillion auf der Biennale in Venedig bewundern. Jetzt, 10 Jahre später, während „The END“ noch auf der Documenta in Kassel zu sehen ist, wo es als digitale Animation auf den Boden des Fridericianum projiziert wird, zeigt die Galerie wieder einen Teil des Iviron Zyklusses, bestehend aus Digital Prints, Bambusarbeiten und einer Videoprojektion.

Nikos Alexiou
The End, Animation Collection
2007
Filmstill

 
 

Shirin Damerji

Shirin Damerji

Böhmen, Ur und Abraham

29.06.2017 - 28.07.2017
Shirin Damerji
Feder, Tusche, Zeichnung, 2015-2017

 
 

Aliki Palaska

Aliki Palaska

Dwellings and Imprints

11.05.2017 - 24.06.2017
Aliki Palaska
Dwelling Model 2
Wood, polyester resin, bark
110 x 30 x 88 cm
 

Moritz Altmann

Moritz Altmann

Megacities and the old gods

30.03.2017 - 06.05.2017
 

Andrea Hanak

Andrea Hanak

Under the open sky

02.02.2017 - 25.03.2017
Andrea Hanak
scape 3, 2016
oil on canvas
80 x 69 cm

Under The Open Sky is Andrea Hanak’s first exhibition at Galerie Françoise Heitsch. Andrea Hanak shows oil paintings, collages, and other works on paper. Furthermore, two benches are placed in the space, which seem to invite the audience to take a seat. Unlike common museum benches, these objects deny the gallery visitor their intended use. They invite to contemplate the seen as implied by the title Under The Open Sky instead. The seating surfaces are covered with mirrors, the remaining surfaces are painted in the colour of the sky by day and night respectively. With every look in one of the horizontal mirrors the space’s ceiling and everything that lies below appear upside down. Thus, top and bottom as well as light and darkness become to also represent a cosmic duality. This experience is accessible not through the sky, but through a piece of furniture. Consequently, proximity and distance become another duality. A position – a seating area – after stripping it from its commonly known usage is provided with new prospects.

The day-time bench is placed upstairs, the bench for the night downstairs. Although the actual setting is supposed to be Under The Open Sky, Andrea Hanak is still able to respond to Galerie Françoise Heitsch’s own spatial setting and form. The space upstairs, which through its windows on street level can be overviewed in its entirety from the Amalienstraße is connected through the gallery’s elegant staircase with a space of the same size downstairs. Through an opening in the architectonic setting, daylight reaches from the window all the way down. Accordingly, Hanak displays oil paintings upstairs and collages downstairs. Additionally, the brush drawing printed on the invitation and two folded leaves, painted with oil paint in monochrome yellow and red, are on display. The invitation is reminiscent of the poetic cosmos, which was displayed by Hanak at the Lenbachhaus in Munich in 2005. In comparison, the two leaves may appear to be formulated in a reduced and constructive manner, their positioning, i.e. decentralised from the extreme, however, lead back to this very cosmos.

The various works are not only formal but also connected through their motivic depiction. Even the benches, which appear impersonal, reveal their actual function as soon as the spectator is able to see him-/herself in the mirrors. For the motives for face or plant remain the same even if they appear formally as round or rhombus-shaped, and almond-like. Like words they retain their character even if they resonate or enter compositions, even if they dynamically radiate from a centre point or unfold towards a single direction. The connection with the motives is not broken by the gallery space. The motives remain present even if they are represented merely as a principle and as versatile as a dictionary. The yellow leaf Sunday [Sonntag], attached to the ceiling unfolds its centre through simple bends, which cross the middle horizontally, vertically, and diagonally. In comparison, the collages downstairs seem to introduce the entire vocabulary applied in the oil paintings above.

The space, which Under The Open Sky describes, is known as en plein air in the history of painting. But Andrea Hanak does not paint en plein air. There is no way that leads from her images to Munich’s light or to the light of Florence, where Hanak stayed in the Villa Romana in 2006. There is no light that would not be the colours’ light itself. What Hanak’s paintings do have in common with en plein air however is the fact that both are painted with oil colours. En plein air was common only during a few decades before the age of Modernity. Yet, the perception that the painter of Outdoor Breakfast [Frühstück im Freien] was present still exists. Andrea Hanak turns this exception into a rule by introducing reality and vividness into the image plane with her own means. This is why it is possible to say that her exhibition really does take place Under The Open Sky at the Galerie Françoise Heitsch.
Berthold Reiß
 

CHORA

CHORA

12.01.2017 - 26.01.2017
curated by Benjamin Tillig
works by Dieter Blum
Jürgen Klauke
Alfons Knogl
Alfred Kurz
Julian Neville
Susanna Schönberg
Anna Virnich
Johannes Wohnseifer

Almost completed in terms of its content, the term Chora χώρα found its way into this exhibition through a friend, who at that point was located on the Greek island of Lesbos; it is precisely this island, which has become an occidental external frontier of a political and humanitarian front-line throughout the turmoil of the last two years. Essentially speaking, it was two different terms, which we discussed on the phone – between Munich and, located at the European periphery, the sand beach of the Greek island: Chora χώρα and Skala Σκάλα. Both terms are used colloquially and on a day-to-day basis, especially on the islands, since Antiquity. The Greek term Chora χώρα describes the main settlement of an island. Its counter-piece is the Skala Σκάλα, the bay belonging to the settlement, the port; an opening which stands in stark contrast to the Chora χώρα – an enclosed place – that is to be protected from external influences.

Despite the varying different approaches, the exhibition assembles works, which attempt to trace the balance between openings and boundaries, stability and freedom in movement. At the same time, it is compiled in the manner of a personal collage, which follows one thought, by picking up scents subjectively rather than through objective observation.

The presentation of the works is complemented by the Aquavit-Bar, designed by the artists and located in the basement area of the gallery. The bar is an installation consonant with the exhibition‘s theme. As the main drink of the bar, Aquavit traditionally reached its maturity in a wooden barrel during sea voyages from Norway to Australia and back and thus carries within the very theme of the entire exhibition.

 

 
 

Dora Economou

Dora Economou

Mountains and Valleys

10.11.2016 - 22.12.2016
 

Philipp Gufler

Philipp Gufler

Een gebeuren

09.09.2016 - 22.10.2016
Een gebeuren
I.
What happens thereafter is radically unlike what came before.
Circle dream.
Indirect speaking.
Quotation marks.
Italicize.
I like to repeat my movements and actions.
Indirect language as a queer practice.
I'm telling Louwrien about it.
To get rid of it, how we used to say.
I'm inoculating through my narration, reality.
Through my information there is not a decline of the images, but a doubling.
What is happening with me while reporting?
... in order to make contact with others.
Sometimes I use circular or spiral movements. The meaning then becomes one of
a lonely going
round in circles! Often I alternate these movements with periods of rest.
The flash is cheering on the obsessive.
- I want you, but I want you to want me too.
- I'm saying you probably want it that way and perhaps that's what you need.
I work to purify my inner being.
Even if the contact cannot be more than a wink.
Immendoes, Alienation, Exaggerations, Irony, Travesty. Circle dream.
The deeper you penetrate, the less you photograph. You will realise this.
- I'm saying yes, you can write an ethnology about the ethnologist.
- You're going to ask less.
- At the end you're not asking anything anymore.
How to observe life from the outside?"

Philipp Gufler
Een gebeuren
Performance am 2. Juni 2016 im de Appel art center, Amsterdam
Foto: Evelyn Taocheng Wang

 
 

Antje Zeiher

Ahoi

09.06.2016 - 16.07.2016
 

Yasemin Nur Erkalir

Yasemin Nur Erkalir

Was fehlt dir?

07.04.2016 - 14.05.2016
Yasemin Nur, Untitled, 2016
 

Klaus vom Bruch

Klaus vom Bruch

Memories of a paper streamer

04.02.2016 - 19.03.2016
Book Launch and New Works
 

Ergül Cengiz feat. Moritz Altmann

Ergül Cengiz feat. Moritz Altmann

Flat Line

22.10.2015 - 19.12.2015
Ergül Cengiz, o.T., 2015
 

Gözde Ilkin

Gözde Ilkin

Kara Mülk/Stained Estate

11.09.2015 - 17.10.2015
Gözde Ilkin
Hush Money (Detail), 2015
bestickter, gefundener Stoff mit Rostflecken
124 x 183 cm

 
 

Susanne Pittroff & Lila Polenaki

Susanne Pittroff & Lila Polenaki

a two-way thing

16.07.2015 - 01.08.2015
Left.: Lila Polenaki, Metaxi, 2011
Right.: Susanne Pittroff, Einräumen, 2014
 

Christina Calbari

Christina Calbari

Suspended

07.05.2015 - 26.06.2015
Christina Calbari
Nest/Falle, 2014
Aquarell auf Papier
42 x 30 cm
 

Christopher Cozier

Christopher Cozier

Gas Men

19.03.2015 - 01.05.2015
Christopher Cozier
Gas Men, 2014
Videostill

Francoise Heitsch is pleased to present Gas Men, Christopher Cozier’s first solo exhibition at the gallery, opening Thursday, March 19 at 7 pm. The exhibition features a new video installation accompanied by drawings.

Christopher Cozier is a renowned artist, writer, curator and cultural advocate based in Port of Spain, Trinidad. For over 25 years Christopher Cozier has been committed to expanding the parameters of contemporary Caribbean art practice and its surrounding discourse. He has been a major contributor to Small Axe – a Caribbean journal and platform for critical discussion and creativity. He has also been an editorial advisor for Bomb Magazine’s Americas issues in 2003, 2004 and 2005, and was a SITE Santa Fe Satellite Curatorial Advisor for 2014. In 2006 he co-founded Alice Yard, a place where music, art, performance and poetry contribute to a dynamic mix of creative improvisation and exchange that includes an international artist residency program, a thriving music scene, and regular exhibitions of contemporary and experimental art. In 2013 he was honored with a Prince Claus Award for his ongoing dedication to promoting Caribbean art within a societal context.

Christopher Cozier works in a variety of media, including drawing, printmaking, sound, video, and installation and has exhibited extensively throughout the Caribbean and worldwide. Among many other exhibitions, he has participated in The Havana Biennial (1994 and 2000); Equatorial Rhythms at The Stenersen Museum (2007); Triennial Poli/Grafica de San Juan: America Latina y el Caribe (2009); Afro Modern: Journeys through the Black Atlantic at TATE Liverpool (2010), The Global Africa Project at The Museum of Art and Design, New York (2010-2011), Being an Island at DAAD Berlin (2013), In Development, a solo exhibition at David Krut Projects, New York (2013), and The Arrest: Hands Up, Hand Out in conjunction with Art Basel Miami Beach (2013). Drawings from The Arrest became the initial source of inspiration for the video installation Gas Men.
Christopher Cozier’s visual language is as much about personal and collective experience as it is about strictly formal aspects. In general terms, Cozier’s work investigates the problematic space of post-independence Trinidad. He addresses notions of how symbols of power both remain and change with time. His work also unveils the complex narratives of economic and societal development and the loss of history and culture to commercial expansion. Throughout his career Christopher Cozier has been engaged in an ongoing critical discourse that is solidly anchored in his visual vocabulary. The narratives that unfold reveal the limitations, possibilities, failures and successes of contemporary Caribbean art; he consistently tears it apart, rips it from its roots, spreads it around the world, and brings it back to the Caribbean.

Gas Men is exemplary of this particular approach. The work investigates the ongoing environmental and sociopolitical challenges presented by commercial expansion and political opportunism. With very simple and direct visual means Gas Men raises critical questions about Trinidad’s role as an oil economy. Although shot on location at Lake Michigan, it could be anywhere including Venezuela, Nigeria, Mexico or Trinidad. Two men in business suits filmed against a heavy grey sky play cowboy style with pump nozzles and hoses, giving immediate associations to imaginary lassos and guns, emphasizing the sense of imminent danger and threat. The video is accompanied by a musical soundscape recorded at Alice Yard. Underlining the stark contrast between the visual setting and the critical content of the film, the mesmerizing lullaby of song and music is repeatedly interrupted by the unsettling sound of sirens, ensuring that the harsh realities that underlie the work are not forgotten.
Selene Wendt
 

Aliki Palaska

Breathing Space/Broken Identities

15.01.2015 - 14.03.2015
Aliki Palaska’s exhibition will show three different groups of works.
Broken Identities is an assemblage of broken porcelain. We see a frowning Beethoven with wings. He is mounted on porcelain fragments. In general, the figures’ balance seems fragile, at the same time, they struggle with their roles, which have been assigned to them through their actions and functions. Their modification, however, makes them more human.
The second group of works Breathing space is formed of plaster casts of human bellies. Different people acted as models for these. These human fragments develop a strong impact on the audience, since they are arranged one after the other in the gallery space. In addition, their nakedness, which resembles that of old Greek torsos, generates another layer - they appear archaic and natural.
The third group of works consists of paper cuts. Two stand out: the orphanage of the Prince Islands off Istanbul, and a pair of shoes, which were worn by a female Syrian refugee. Weary shoes which are falling apart. The paper cut of the wooden orphanage, which has been physically deteriorating for 120 years, reflects emotionally the building’s condition today. Time has shown no mercy to the building; it collapses just as the paper cut does.
We see re-assembled porcelain figures, casts of human bellies, and paper cuts, all of which entail the touch of a distinct mark. Gently narrated by Aliki Palaska, and as close to life as possible, le passage du temps, she shows us that time is after us all albeit slowly. We and the world are slowly falling apart, some of the pieces we can fix. Maybe it is just a deep breath. Yes, this is the Greek artist Aliki Palaska’s intention: to face decay through change.
 
 

Nikos Arvanitis, Stephan Dillemuth, Anja Kirschner, Karolin Meunier, Zafos Xagoraris

Nikos Arvanitis, Stephan Dillemuth, Anja Kirschner, Karolin Meunier, Zafos Xagoraris

01.11.2014 - 20.12.2014
Zafos Xagoraris
Downhill Talks
Event, Athen, 2013
 
 

Eleni Mylonas

Eleni Mylonas

The town crier

12.09.2014 - 31.10.2014
Abbildung (Startseite Ausschnitt):

Eleni Mylonas
Untitled#2 (Eleni Arafat)
Digitaldruck, 150 x 112 cm

Gallery Francoise Heitsch presents a solo exhibition with Greek born, based in New York, artist Eleni Mylonas. Mylonas’s works were inspired by the improvisational protective headgear worn by the demonstrators in Kairo’s Tahir square during the Arab Spring. Fascinated by the quaint helmets she saw on the internet, Mylonas made a series of sketches later reworked as oil paintings. Eventually Mylonas started placing odd objects on to her own head, many of them detritus washed out in the Greek shores, creating a series of imposing large scale portraits of herself as Everyman expressing in this way her solidarity with the demonstrators and the universality of the human experience. The series culminates with The Town Crier video, in which the artist, wearing her grandfather’s military uniform and a self made head piece crowned by the statue of Liberty, sings the popular song that originated in the Greek shadow theatre Karagiozis which is a call to arms to all people against every sort of tyranny.
 

Philipp Gufler

Philipp Gufler

Zirkeltraum

03.04.2014 - 22.05.2014
 

Dora Economou

Dora Economou

A modern Hug

23.01.2014 - 29.03.2014
Dora Economou fügt alltägliche, industriell genützte Materialien, Fundgegenstände und Bilder aneinander, fragmentiert, verändert und zeigt diese auf. Als geschulte Malerin, die hier jedoch als Bildhauerin arbeitet, befassen sich ihre Arbeiten mit dem Thema der Repräsentation, mit der Form als Prozess, und dem Raum als Bühne. Die finale Form ist abstrakt oder entwickelt sich häufig zu einem ungenauen Replikat der produzierten Objekte. Ein Prototyp von etwas, das nicht einzigartig ist, eine Kopie von etwas, das nicht existiert, oder etwas Neuem, das aus etwas Altem gemacht wurde. Diese Herangehensweise wirft ontologische Fragen wieder auf, reflektiert Materialität und Immaterialität, Substanz und Flux. Es ist diese Imitation der Imitation, welche, laut Plato, von der Wahrheit zweifach entfernt ist. Sie produziert falsche Fälschungen die letztendlich wieder zu Originalen werden. Der stetige Wiederholungsprozess und die Produktion durch endlose Reproduktion nähern sich dem Ursprung der anfänglichen Geste an. Es sind die aufgezeigten Qualitäten der einzelnen Komponenten, die Dora Economous Arbeit wirken lässt. Weder die Handwerkskunst noch das Nutzen des Readymades stehen auf dem Spiel – es ist die Neuinterpretation des Sehens und des Kreierens, die Neuerfindung einer Funktion, die im Mittelpunkt steht. Dieser umgekehrte, selbstreflektierte, fast kontraproduktive Produktionsprozess stellt zum einen den Nutzungswert von Arbeit und Freizeitangebot und zum anderen die Künstlerin und den Betrachter als Produzenten und Konsumenten in Frage.
(Auszug aus einem Text von Galini Notti)
 

Elias Kafouros

Elias Kafouros

The image is Unsustainable

07.11.2013 - 21.12.2013
Aussagen eines kosmischen Bewusstseins sind verwoben in den Referenzen und dem Vokabular von Massenmedien. Elias Kafouros’ (geb. 1978) fein detaillierte Kompositionen zeigen Figuren wie Gurdjieff, den Kapitän der Titanic (!) und den Oberst Gaddafi (!!), die mit Feder und Tinte in Mandalas verflechtet sind, die sowohl der tibetischen Tanga Malerei ihre Existenz verdankt, als auch den Novellen von Douglas Adams und William Gibson.
Können gemalte Werke, die in einer Galerie hängen, in eine temporäre autonome Zeit umgewandelt werden, welche die ermüdende oder zynische Realität unserer Zeit überschreitet?
Kafouros zeigt eine enge Verbindung zu dem Malstil der kalifornischen Schule (Joe Coleman, Robert Williams, und dem Juxtapoz magazine). Er teilt die Nach-Hippie Schwärmerei mit einigen seiner Repräsentanten. Während er dieses tut, stellt er diesem Malstil eine planetarische Größenordnung entgegen und eine beispiellose Religiosität, während die kalifornische Schule sich mehr mit den ‚Hollywood-Elementen’ beschäftigt.
Zu einer Zeit, in der die berühmtesten Künstler seiner Generation ein Doppelleben führen, in denen sie sich der ‚street art’, dem neuen Medienliebling, verpflichten und qualitative Avantgarde Kunstwerke für große Galerien fertigen, hat Kafouros sich nicht beirren lassen und ist einer Maltradition treu geblieben, welche seltsamerweise klassisch und futuristisch zu gleich ist.
Nach einiger Zeit in der Wildnis, zeichnend, malend und insbesondere gestaltend, hat sich Kafouros einer kritisch genauen Prüfung unterzogen und sich diesmal, in einer karikierenden Pop Gestalt wieder gefunden. Auch wenn zwei Jahrhunderte der Fotografie die Darstellung bedeutungslos gemacht haben, so bleiben die alten Vorbehalte doch bestehen. Aus dem selben Grund ist wohl auch Kaforous Werk, dessen figurative Elemente sich im unendlichen Raum ausbreiten, gegen diese Art der Kritik immun; ähnlich wie die östliche Kunst.
Obgleich seine Werke starke Züge der Meditation und Selbstdisziplin beinhalten, müsste man sie der Kategorie Pop zuordnen.
Jedes einzelne Werk von Kafouros bestätigt einen lang gehegten Verdacht: Der Planet befindet sich in einem seltsamen Wandel. Um die Wahrheit zu sagen, die Wirklichkeit wirkt immer weniger real.
Man bekommt das Gefühl, als würde der Künstler lieber Ende der sechziger Jahre leben wollen, als in unserer zynischen Jetzt-Zeit und uns deswegen mit seinem Werk eine Vorahnung dessen vermittelt, was in der Zukunft alles auf uns zukommen könnte...
Thanasis Moutsopoulos
 

Synthesis

Synthesis

kuratiert von Christina Petrinou

13.09.2013 - 26.10.2013
Abbildung:
Poka-Yio
White Plain Wedding Cake, 2008

In der Ausstellung Synthesis präsentiert uns die griechische Kuratorin Christina Petrinou fünfzehn griechische Künstler, die ihre Arbeiten teilweise im Bezug auf die Tapete von Klaus vom Bruch gestaltet haben, und dabei die Frage des malerischen untersuchen. In dieser Bild-°©‐im-°©‐Bild-°©‐Ausstellung wird eine bourgoise Zeit evoziert, die den White Cube überwindet. Dadurch entsteht in den Räumen der Galerie Francoise Heitsch eine Kulisse, die das spielerische Kräftemessen der Künstler aushalten muss, umso mehr da die Räume durch die Präsenz der Tapete von Klaus vom Bruch geprägt sind.
Lina Bebi, Panos Charalambous, Panos Famelis, Eva Marathaki, Maro Michalakakos, Eleni Mylonas, Aliki Palaska, Nikos Papadopoulos, Tula Plumi, Poka-Yio, Valinia Svoronou, Yiannis Theodoropoulos, Athanasia Vidali, Myrto Xanthopoulou, Ioanna Ximeri, Klaus vom Bruch
 

Klaus vom Bruch

Klaus vom Bruch

Tapete

12.04.2013 - 17.05.2013
Klaus vom Bruch
RAF-Tapete, 2013

Tapeten werden schon seit einigen Jahrhunderten in Räumen auf Wände geklebt. Sie waren Ersatz für einen Mangel an Reisemöglichkeit. Sie sollten vor allem die Interieurs der Bourgeoisie repräsentativ und reizvoll gestalten. Flauberts Madame Bovary umgab sich mit teuren Tapeten und Stoffen, um der Enge ihrer Umgebung zu entfliehen. Überhaupt je reicher der Hausherr, desto üppiger und ausgefallener wurden die Wände. Teure Stoffe mit Goldverzierung wurden ausgelegt, der Ton wurde natürlich von Königen und Prinzen angegeben. Die zwei Weltkriege fegten diesen Wand- und Tapetenkult hinweg. Ab sofort mussten die Wände so weiß, so makellos wie unser Gewissen sein. Unsere Gedanken, unsere Blicke sollten wenn, dann nur auf der Kunst haften bleiben, nichts sollte uns vom Ernst und Verantwortung des Lebens ablenken. Ab und an wagten sich Künstler an das Medium Tapete. So geschah es auch, dass Klaus vom Bruch dem Reiz, den uns umhüllende Intensität einer Tapete unterlag, die er ursprünglich nur für sich, für die Ironisierung seiner eigenen vier Wände entworfen hatte. In dieser Arbeit verbindet er politische und private Gedanken durch rhythmisierte Kontrastierung disparater Topoi und Bilder.
Ähnlich wie in seinen frühen Videocollagen geht er von verschiedenen politischen und gesellschaftlichen Motiven aus. Die RAF-Tapete, die Sade-Tapete und andere erfüllen alle Aspekte einer fröhlichen Ausschmückung und erscheinen im sarkastischen Spiel der Bildwechsel von RAF-Steckbriefen und einer japanischen Übersetzung von de Sades Justine, die zu Klebebildern mit Rosen und Schlafmohn dekonstruiert werden.
So unterhält er uns abwechselnd ,indem er Obsession und Beruhigung gegeneinander ausspielt. Er lässt uns teilnehmen an einer Sehnsucht, die so wieder neu populär wird. Der diskrete Charme der Bourgeoisie wird stachelig und scharf vorgeführt.
 

Ergül Cengiz

Ergül Cengiz

borderlines

20.02.2013 - 20.03.2013
Ergül Cengiz
cicek, 2011
Scherenschnitt Öl auf Papier
100 x 100 cm

Bei ihrer dritten Einzelausstellung in der Galerie Francoise Heitsch zeigt Ergül Cengiz eine Auswahl von Arbeiten, deren Oberfläche durch das Ausschneiden der Konturen der jeweils abgebildeten Gegenstände vielfach durchbrochen ist. Was im gegenwärtigen Kunstjargon auch gerne anglisierend als „cutout“ bezeichnet wird nimmt in den Arbeiten von Ergül Cengiz Formen an, die manchmal an Scherenschitte, aber auch an Spitzenstoffe oder Metallgitter erinnern. Der Schnitt als Grenzlinie des Abgebildeten ist folglich auch namensgebend für die gegenwärtige Ausstellung.
Der Schnitt in die Oberfläche ist der wohl radikalste Schritt zur Herbeiführung einer räumlichen Tiefe im Bild, gleichzeitig bedeutet er aber auch die endgültige Abkehr von der Vorstellung des Bildes als Projektionsfläche für illusionistische Räumlichkeit. Das Bild erscheint nicht mehr als ein durch sein Format begrenztes Fenster, weil die durchbrochene Oberfläche den dahinter befindlichen Raum erfahrbar macht und es in die Objekthaftigkeit überführt.
Das Anliegen, das in den Arbeiten von Ergül Cengiz formuliert wird, ist jedoch nicht einfach nur formalistischer Natur, sondern hat seinen Ursprung in einer autobiografisch begründeten Auseinandersetzung mit den unterschiedlichen Bildauffassungen der zwei Kulturen, in denen sich Ergül Cengiz als Deutschtürkin heimisch fühlt.
Im Zuge dieser Auseinandersetzung kristallisierten sich eine Reihe emblematischer Motive heraus, die entweder stellvertretend für die abstrakt-flächige Bildauffassung des islamischen Kulturkreises, oder aber für die illusionistische Tradition in der europäischen Malerei stehen und in den Bildern der Künstlerin immer wieder neu kombiniert werden.
So wird die abstrakte Flächigkeit ihrer Ornamentbilder immer wieder gestört, etwa indem räumliche Tiefe durch perspektivische Verzerrung des Ornaments angedeutet oder das Ornament durch Zitate aus Stilllebenmalereien, deren illusionistische Plastizität rudimentär erhalten bleibt, durchbrochen wird.
In diesem Sinne sind die neuen Objektbilder von Ergül Cengiz mit ihren durchbrochenen Oberflächen der nächste logische Schritt, der sich aus dem Spiel mit Bildraum und Bildfläche ergibt, indem dieses auf die Präsenz des Bildes als Objekt im Raum erweitert wird.
Moritz Altmann
 

Andreas Savva

Andreas Savva

martyrium – Installation und Objekte

09.11.2012 - 05.02.2013
Andreas Savva
Detail aus
OPEN 2009. Venice.

Die Ausstellung kuratiert Olga Daniylopoulou.

Das Erfassen von politischen Phänomenen und Ereignissen ist ein zentrales Thema im Werk des zypriotischen Künstlers Andreas Savva (1970). In seiner neuesten Installation bei Françoise Heitsch befasst er sich mit der aktuellen Lage in der europäischen Polit-Szene, angeregt durch die Situation um Griechenland. Mit den für ihn typischen Materialien wie Seile und alltägliche Gebrauchsgegenstände verarbeitet er die Zusammenhänge und die gegenseitige Einwirkungen zwischen den Staaten in der europäischen Union. Der angespannte Schwebezustand, in dem sich gegenwärtig die europäische Politik befindet, dominiert auch Savvas Arbeit – 12 Stühle, stellvertretend für die einzelnen Sterne der Europaflagge, werden in ein raumgreifendes Geflecht aus gespannten Seilen eingefasst. Die Sitzmöbel, deren ursprüngliche Funktion Standfestigkeit und Ruhe suggeriert, werden zweckentfremdet, schweben in Ungewissheit, gefangen in einer gefährlichen Lage wie im Spinnennetz. Und genau so mühselig und arbeitsaufwendig, wie die Spinne ihr Netz aufbaut, ist das Aufstellen dieses Werks für den Künstler. Der handwerkliche Akt des Webens und Bindens, der genaue Berechnungen und Messungen erfordert, versinnbildlicht nicht nur den bisherigen Weg der Gemeinschaft, sondern auch die Anforderungen an der Politik bei der Suche nach einer Lösung. Das Konstrukt ist zugleich ein System, in dem jedes Element seinen funktionellen Platz hat und zum Erhalt des gesamten Mechanismus beiträgt.

Ergänzend wird eine weitere installative Arbeit Savvas präsentiert, bei der purpurrote Samtschleifen in einem Stahlrahmen gebunden werden. Hier führt uns der Künstler die Dualität materieller Dinge vor Augen. Der Samt als edler, glanzvoller Stoff ist wunderschön, jedoch nur von Vorne. Seine Rückseite ist karg und unscheinbar gewöhnlich. Mit seinen metaphorischen Parabeln hält Andreas Savva Wahrheiten fest, die im Leben nicht selten hinter dem Glanz einer konstruierten Oberfläche zu schwinden beginnen.
 

Lila Polenaki

Lila Polenaki

Malerei

14.09.2012 - 30.10.2012
Lila Polenaki, Aware, 2011, Mischtechnik auf Leinwand, 160 x 140 cm

Lila Polenaki (*1964) spielt in ihren Arbeiten des Öfteren mit stofflichen Materialitäten, die ihre Malerei zu Collagen formieren. Die Künstlerin integriert die Stofflichkeit aus ihrem Fundus, beladen mit einer ganz eigenen und geheimnisvollen Emotionalität- als ob man den Stoff zu lange versteckt hielt und er nun der Verborgenheit entfliehen kann. Plötzlich entlädt er seine gesamte Farbigkeit, Verletzlichkeit und sein Geheimnis- stellvertretend für das Weibliche, als wären Stoff und Weiblichkeit unzertrennlich verbunden. In einer explosionsartigen Entladung fliegen die Fetzen auf der Leinwand und manchmal bleibt auch nur ein Gesicht übrig, welches man aus einer Teilabstraktion heraus erahnt. Eine Erinnerung, die uns wie im Traum zurückgegeben wird, um sie im nächsten Moment wieder an die Abstraktion zu verlieren. Sinnlich furios und bewegt sind diese Bilder und sie erschüttern uns durch ihre sonderbare Kraft, die sie aus diesem Spiel zwischen Gegenständlichem und Ungegenständlichem gewinnen.
 

Shirin Damerji

Shirin Damerji

Girls from Gazalija

15.06.2012 - 22.07.2012
In ihrer aktuellen Ausstellung zeigt Shirin Damerji Arbeiten, die aus einem Treffen der Künstlerin mit jungen Irakerinnen während ihres Urlaubs 2005 in Jordanien hervorgingen. „Girls from Ghazalija“ ist eine Geschichte, die aus dem Zusammenspiel zwischen der Welt des Offensichtlichen auf der einen und der Welt des Verborgenen auf der anderen Seite entstand.

Anfangs sieht man den Protagonistinnen beim allabendlichen Zurechtmachen zu. Sie kleiden sich an, schminken und frisieren sich. Eine scheinbar gewöhnliche Situation, wie sie sich in gleicher Weise an vielen Orten auf der Welt abspielt. Die dabei entstandenen Fotos durften jedoch auf Geheiß der Frauen nicht öffentlich gezeigt werden: ein Bilderverbot, aus dem die Künstlerin schöpfte, wodurch das erste Kapitel der Ausstellung entstand. Damerji übersetzt die Fotovorlagen in großformatige Graphitzeichnungen. Diese „zeichnerische Strukturen“ (Damerji) formen eine neue Einheit, die autonom ist und zugleich auf ihre fotografischen Wurzeln verweist. Die Werke entstanden aus den Fotos, ohne diese zu kopieren, aber auch ohne die fotografische Herkunft zu verstecken, der Entstehungsprozess kommt eher einer Genesis als einer bloßen Replikation gleich. Bedingt durch die Übertragung in ein anderes Medium ist eine Transformation zu erkennen - die fotografische
Schnappschuss-Realität verschwimmt in Unschärfe und damit verschwindet auch der Anspruch auf
unmittelbare wirklichkeitsgetreue Wiedergabe, den die maschinell abgelichteten Ursprungsbilder
unweigerlich mit sich brächten. Eine Umwandlung, die das Bildmotiv ins Abstrakte führt. Gesten und Blicke, die aus der universellen Ausgangssituation heraus entstehen und auf dem Foto locker und gelassen wirken, verschieben sich und erstarren in der Zeichnung, schwenken um und werden ernst.

Das zweite Ausstellungskapitel bildet ein Video, das die jungen Frauen später am Abend beim Flanieren auf der Promenade zeigt. Hier wird ein gewisser dokumentarischer Ansatz deutlich, der dem Thema und dem Aufbau der Ausstellung zugrunde liegt. Die Mädchen aus Ghazalija, einem vornehmen Bagdader Stadtviertel, das zum Schauplatz des Irakkriegs wurde, machen Urlaub, nehmen eine Auszeit vom Alltag. Doch unter der Oberfläche unbeschwerter Lässigkeit ist die Allgegenwart des Krieges deutlich spürbar. Die Unsicherheit, die Angst und die Gefahr sind stets präsent in Gedanken und Gesprächen.

Die einzelnen Ausstellungsabschnitte sind durch die chronologische Linearität der Erzählung
verbunden und stehen aufgrund ihrer formalen Unterschiede gleichzeitig in einer kontroversen
Relation zueinander. Dieser Kontrast hebt das Spannungsfeld hervor, in dem sich die Arbeiten
bewegen. Somit setzen Damerjis Werke an dem Konfliktpunkt zwischen dem alltäglichen Ereignis und seiner tieferen emotionalen Bedeutung an, also dort, wo die verschiedenen Wirklichkeitsebenen aufeinander prallen.

Im August geschlossen.
 

Misheck Masamvu

Misheck Masamvu

„Menschen dekonstruiert und geflickt“

19.04.2012 - 26.05.2012
Misheck Masamvu, *1980, studierte bei der zimbabwischen Künstlerin Helen Lieros in der Gallery Delta Harare und von 2005 – 07 bei Prof. Jerry Zeniuk an der Akademie der Bildenden Künste München. In der Ausstellung colour africa 2000 in der Münchner Rathausgalerie, die aus der seit 1996 bestehenden Städtepartnerschaft zwischen München und Harare entstand, waren erstmals Werke des gerade erst 20jährigen zu sehen. Damals malte Masamvu Miniaturen, um sie vor seiner Familie verbergen zu können, die gegen eine Künstlerlaufbahn war und ihm Bilder und Malzeug zerstört hatte. Inzwischen hat sich Misheck Masamvu zu einem eigenwilligen und international auftretenden Künstler entwickelt, der im Zimbabwe Pavillon auf der Biennale von Venedig 2011 die Malerei seines Landes repräsentierte. Er gehörte auch zu den Künstlern
der Ausstellung colour africa 2011 in München.

Masamvus jüngste Bilder, die er fast alle für diese Ausstellung gemalt hat, zeigen die Verwüstung, die Gewaltpolitik und Zerstörung sozialer Strukturen im Menschen anrichtet.
Zugleich sind die Menschen in Masamvus meist großformatiger Malerei wieder zusammengefügt und in der Kunst aufgehoben.

Mit seiner Ausstellung in München zeigt Misheck Masamvu,in souveräner Auseinandersetzung mit der europäischen Kunst, an der er sich schulte, die Autonomie von Kunst aus einem afrikanischen Land. Die Galerie Françoise Heitsch feiert mit diesem Künstler und der Zusammenarbeit mit
Kulturallmende und der Stadt München ihr 20. Jubiläum als Münchner Galerie.
 

Ali Taptik, Suat Ögüt, Volkan Aslan

Ali Taptik, Suat Ögüt, Volkan Aslan

10.02.2012 - 14.04.2012
Suat Ögüt, Hello to nationalism, 2012

Die drei türkischen Künstler Ali Taptik (1983, Istanbul), Suat Ögüt (1985, Diyarbakir) und Volkan Aslan (1982, Ankara) setzen sich in ihren Arbeiten mit dem universalen Menschen und seinem spezifischen Umfeld auseinander. Witnessing Negotiation Stability als Konzept der Ausstellung beschreibt das Verständnis der Fotografien von Ali Taptik, der mixed media Arbeiten von Suat Ögut und der Zeichnungen von Volkan Aslan. In dieser Zusammenarbeit konnte man die drei jungen Künstler das letzte Mal in München 2010 in der Gruppenausstellung Cityscale in der Lothringer 13 München sehen. Dieses künstlerische Austauschprojekt zwischen Istanbul und München, u. a. kuratiert von Francoise Heitsch, war offizieller Beginn der fortlaufenden Kooperation zwischen den Ausstellungsteilnehmern aus Istanbul und der Galerie Françoise Heitsch.

Ali Taptik täuscht in seinen Fotografien einen Hang zur Dramatik vor, die auf dem zweiten Blick einer schürfenden Tristesse weicht und sich durch Komponenten wie Lichtführung, Farbigkeit, Thematik und scheinbarer willenloser Inszenierung durch das gesamte Werk Ali Taptiks zieht. Seine Bildwerke werden diese traurige Ohnmacht nicht los – Stille, Offenbarung und Direktheit – seien es Stadtaufnahmen, Objekte oder die Menschen, die uns zum Zeugen des nüchternen Blickes des Fotografen werden lassen. In der Ausstellung konfrontiert uns Ali Taptik mit der Ehrlichkeit. Jedes Bild beschäftigt sich mit einem nackten Menschen, mit der Wahrheit des Menschen, die der Künstler nicht ins rechte Licht zu rücken versucht: Weder Beschönigungen, noch Verschönerungen, keine Eitelkeiten haben hier Platz, weder die des Fotografen, noch die des Porträtierten. Wir werden zwar nicht zu Voyeuren, dennoch weiß man von dem Gefühl des „Unbeobachtetseins“, das die Hauptperson beschleicht haben muss. Die Ästhetik ist vorhanden, jedoch nicht die des vermeintlichen Ideals, sondern die der Natürlichkeit, eine Ästhetik der menschlichen Geheimnisse, die Ali Taptik ohne zu bedrängen zu entblößen vermag. Diese Entblößung von tief Verborgenem des jeweiligen Individuums verlangte einen Dialog zwischen Künstler und Porträtiertem. Sind doch Wahrheiten entstanden, die die Hauptperson teils nicht öffentlich machen wollte. Den Weg vom intimen Blick Ali Taptiks im fotografischen Zwiegespräch bis hin zum fremden Gegenüber in einer Ausstellung dokumentiert der Künstler erstmals als wichtigen Bestandteil seiner Arbeit.

Suat Ögüts beschäftigt sich überwiegend mit dem Menschen in der Großstadt, mit dem Menschen in einem System, das System seiner Heimat. In seinen großformatigen mixed media Arbeiten bewegt sich das Individuum in seiner alltäglichen, dynamischen Situation – im Straßenverkehr, als Fußgänger, zwischen Geboten und Verhaltensregeln, in einer Welt aus Metaphern. Das Chaos steht der Ordnung gegenüber, einer Ordnung, die durch Regeln, Kapitalismus, Justiz und gar Unterdrückung fiktiven Bestand hat und nach Außen nur das Beste für einen jeden möchte. SuatÖgüt kritisiert bzw. offenbart Situationen, die zwar banal zu sein scheinen, dennoch bedacht und überdacht werden sollten. Wie alles funktioniert, alles einen bestimmten Zweck erfüllt, wie die Menschen funktionieren, gehorchen und Regeln befolgen, die auf sie und das gewisse Lebensziel abgestimmt sind und dennoch traut sich SuatÖgüt die Frage zu stellen, ob Sinn und Zweck gerechtfertigt und legitimiert werden können.

In seinen kleinformatigen Zeichnungen spielt Volkan Aslan unter dem Begriff der Beständigkeit mit der Thematik des Raumes und dem Individuum in ihm. In der Abstraktion des Raumes finden sich hier und da gesichtslose Personen wieder, die sich als fotomontierte Silhouetten an dem undefinierbaren Ort versuchen zurecht zu finden und dabei völlig unbeholfen ihren willkürlichen Platz einnehmen. Es sind die Umrisse ihrer Konturen, abgezeichnet von fotografierten Persönlichkeiten, die plötzlich in den Zeichnungen namenlos und anonym platziert sind – es könnte ein jeder sein, vielfach wiederhol- und kopierbar.
 

Sergi

Sergi

Gülcin Aksoy, Gözde Ilkin, Yasemin Nur Tokyos

04.11.2011 - 04.02.2012