Initiative Münchner Galerien zeitgenößischer Kunst

 

Galerie Karin Sachs

Augustenstr. 48 • 80333 München
+49 89 201 12 50
www.GalerieKarinSachs.de
Wed – Fri 1 pm – 6 pm • Sat 1 pm – 4 pm
and by appointment

Augustenstr. 48
80333 München

Current exhibitions

Rune Mields

endlich unendlich

18.05.2019 - 13.07.2019
 

Upcoming exhibitions

Tanja Mohr

Interimsausstellung

29.07.2019 - 31.08.2019
Daily opened 1–6 pm
 
Ulli Lust: Reisefreiheit

Ulli Lust: Reisefreiheit

Graphic Novels

13.09.2019 - 07.12.2019
Ulli Lust
Abbildung aus dem Buch:
Heute ist der letzte Tag vom Rest Deines Lebens
464 Seiten, Softcover, zweifarbig
Avant-Verlag, Berlin 2009

 
 

Past exhibitions

Joost Colpaert

Heterotopia

09.03.2019 - 11.05.2019
 

Alexandra Wacker

Pendeln zwischen den Welten

18.01.2019 - 23.02.2019
 

Michael Konrad

Kunst – Comic

09.11.2018 - 15.12.2018
 

Parastou Forouhar

Parastou Forouhar

15.09.2018 - 08.12.2018
Lettres ouvertes, de la calligraphie au street art Institut des Cultures Islam (ICI), Paris
21.9.2017 - 21.1.2018

 

 
 

Tanja Mohr

Interimsausstellung IV

30.07.2018 - 12.08.2018
Daily 1–6 pm, the artist is present.

 
 

Daphna Weinstein

Daphna Weinstein

Windhauch

08.06.2018 - 14.07.2018
Windhauch
“Windhauch, Windhauch, sagte Kohelet,
Windhauch, Windhauch,
das ist alles Windhauch.”
Das Buch Kohelet : 1,2

This group of work examine the polar relationship of social order as well as the inner psychological and contemplative, struggle. An observation act of an ongoing oscillation between; horror - joy, emotional - rational, conscious - unconscious, private - public, desire - anxiety, freedom - frustration and how it all tend to operate together.

Daphna Weinstein
Give me some advice about the truth, 2017
Books by Rabbi Nachman of Breslov and inkJet print
10 panels of 100 x136 cm

 

 

 

 
 

Stijn Jonckheere

Stijn Jonckheere

Kosmos. Architekturzeichnungen

13.04.2018 - 26.05.2018
Stijn Jonckheere
Bacchus II, 2017
Digital Print
42 x 29,7 cm
Auflage 5

 
 

Rui Chafes

Rui Chafes

„Balthazar“ - Skulpturen

19.01.2018 - 24.03.2018
Rui Chafes
Balthazar I, 2017
Stahl
66 x 20 x 19,3 cm

 
 

Anja Luithle

Anja Luithle

Nahtlos, „Zeichnungen und kinetische Objekte

28.10.2017 - 09.12.2017
Anja Luithle
Broadway  Installationsansicht
(Wenn der Besucher in die Hände klatscht, reagieren die Röcke mit ein, zwei Hüftschwüngen: ein interaktiver Spaß.)
Credit: Anja Luithle
 

Markus Wülbern

Markus Wülbern

Das Bärenbuch

09.09.2017 - 14.10.2017
„Ich habe über Jahre Dinge wie verknitterte Notizzettel gesammelt ohne genau zu wissen, wofür“, so der Künstler und Autor Markus Wülbern zu seinem Buch Das Bärenbuch.
In den collagelastigen Bildern werden Elemente zu Kunst, die bei den meisten Menschen als Müll im Papierkorb landen würden: „Ich mag die Herausforderung ein mit Tee beflecktes Blatt in Kunst zu verwandeln. Man muss loslassen und still sein, bis die Formen zu Figuren werden.“ Die skizzenbuchartigen Werke strotzen vor Flecken, Falten und Fehlern die unverblümt durchgestrichen und ausgebessert wurden und schaffen einen sehr ehrlichen und persönlichen Einblick in Wülberns Welt.
Nicht nur die Ästhetik sondern auch der Inhalt des Bärenbuchs stellt traditionelle Ordnungsprinzipien der Kunst in Frage. Doch dass Humor– und Cartoonelemente in der Kunst auf dem Vormarsch sind, diese Meinung vertritt der junge Künstler längst nicht mehr allein.
Ob man Wülberns Werke als subversiven Akt der Rebellion betrachten kann, der althergebrachte Normen und Einstellungen in Frage stellt, oder vielleicht doch ‚nur‘ als Unterhaltung, muss jeder für sich selbst entscheiden. Dazu lädt die Ausstellung mit einer Auswahl der Originale ein.

Markus Wülbern
Herumtreibär, 2014
Zitronensaft/Fineliner auf Papier

 
 

Tanja Mohr

Interimsausstellung III

27.07.2017 - 26.08.2017
 

Sonja Hamad

Sonja Hamad

Photographien aus dem Irak

24.06.2017 - 22.07.2017
Diljin, 21 Jahre. Sindschar, Nordirak, 2015
Archival Pigment Print auf
Hahnemühle Photo Rag, 70 x 55 cm, Auflage: 6 + 2 AP

 
 

Samuel Henne

Samuel Henne

displacements

12.05.2017 - 14.06.2017
Samuel Henne
"untitled #04", aus "displacements", 2016
Cut-Out und Fine Art Print,
40 x 30 cm (Ausschnitt), in Distanzrahmen

 
 

Kino der Kunst – Heiner Stadler

Kino der Kunst – Heiner Stadler

Über Bilder – 10 Ansichten

19.04.2017 - 23.04.2017
„In our world we sleep and eat the image and pray to it and wear it too.“
Don DeLillo, Mao II

In ten chapters the film tells us of our life in pictures. It tells us of doctors, policemen, editors, architects, conservators and computer scientists. It tells us of people who do not create images themselves, but who cannot live without them – like all of us.

On Images
10 views
30 min., B/W, Cinemascope
with archival footage from „Deutschland zwischen gestern und heute“

Bild: Julian Krubasik
Director Heiner Stadler
Director of Photography Julian Krubasik and Thomas Beckmann
Editor Max Fey
Music Max Richter
Production Manager Tobias Pollok
Producer Lucia Scharbatke
 

Michael Hirschbichler

Michael Hirschbichler

Masken und Spiegel

10.03.2017 - 13.04.2017
Michael Hirschbichler
Idol  (Neon), 2017
Neon und Plexiglas
115 x 90 cm
 

Henrik Schrat

Henrik Schrat

Orangerie bei Nacht.

13.01.2017 - 17.02.2017
Chinesische Rollenbilder.

Henrik Schrat
Verrückte Nudel, 2015
Tusche auf Papier, in Stoff gefasst
50 x 20 cm
 

Joost Colpaert

Joost Colpaert

Nur in klarem Wasser sieht man die Tiefe

09.09.2016 - 09.12.2016
Joost Colpaert
Aquarius, 2015
Öl und Bleistift auf Polyester
140 x 110 cm
 

Tanja Mohr

Tanja Mohr

Interimsausstellung II

05.08.2016 - 27.08.2016
The hole exhibitiontime Tanja Mohr will be present.

Tanja Mohr
o.T., 2015
Öl auf Leinwand
60 x 120 cm

 
 

Anahita Razmi

Anahita Razmi

Bellydancing 12.000.000 views

24.06.2016 - 27.07.2016
This Girl She is insane! Subscribe!!

Anahita Razmi
This is Not Iranian, 2015
Tattooed arm of the artist on photo rag
Auflage 5+1
 

Rune Mields

Rune Mields

Dem Novalis folgend

15.04.2016 - 11.06.2016
 

Per Oscar Jensen

Per Oscar Jensen

Unsaid – unresolved

21.01.2016 - 02.04.2016
Per Oscar Jensen
A quiet spot, 2014
Acryl/Leinwand
90 x 120 cm
 

Alexandra Wacker

Alexandra Wacker

Wear flowers in your hair

06.11.2015 - 19.12.2015
„Elemente und Blumen“, 2012
Öl auf Leinwand
145 x 110 cm
 

Parastou Forouhar

Parastou Forouhar

11.09.2015 - 24.10.2015
Parastou Forouhar
Formation I, 2015
Digitale Zeichnung, digital print
55 x 25 cm

 
 

Monika Grube

Neue Arbeiten

07.08.2015 - 09.08.2015
Interimsausstellung
 

Via Lewandowsky

Via Lewandowsky

Es ist Zeit

27.06.2015 - 01.08.2015
"contenance" 2014
Messingrohre mit Miniaturmotoren,
Sockel mit Glashaube, Software, 8 cm x 8 cm x 1 cm
 

Jochen Flinzer

Jochen Flinzer

Frühjahrskollektion

08.05.2015 - 15.06.2015
Aus der Serie Mathematical Boys, 2011/12
Bleistift, Seidenfaden
Papier 29,7 x 21 cm
 

Kino der Kunst.

Kino der Kunst.

16.04.2015 - 26.04.2015
Laura Kansy/Felix Klee/Annika Sehn
Die Möglichkeit einer ausweglosen Situation
2015, 3-Kanal-Video, 5’, Foto: Laura Kansy

An experiment in six variations: Acceleration as progress. Have we reached the pinnacle of this development? Are we rushing single-mindedly towards a general burnout of society? Will we only stare at pictures in real-time in the future? As part of a collaboration between the HFF Munich (Prof. Heiner Stadler) and the Academy of Fine Arts Munich (Prof. Julian Rosefeldt) six groups of students developed cinematic works on the themes of “deceleration / acceleration”. The filmmaker Elfi Mikesch worked as an advisor on this project.

Videoarbeiten von:
Christian Illi, Lea Jäger, Janna Jirkova, Laura Kansy, Kai Kiklas, Felix Klee, Bernhard Kreutzer, Daria Kuschev, Lisa Leitgelb, Theresa Maué, Masha Novikova, Bianca Patricia, Anne Pfeifer, Annika Sehn, Andres Torres, Patrik Thomas, Justin Urbach, Sandra Zech.

 

Kino der Kunst opening times
Wed – Fri 1 – 6 p.m., Sat – Sun 2 – 6 p.m.

 

 

 
 

Stijn Jonckheere

Stijn Jonckheere

Happily Ever After.

13.03.2015 - 11.04.2015
Laekenveld, 2012
00 A04 010312
Digital Print, 29,7 x 42 cm
Auflage 10

Digitale Architekturzeichnungen
 

Vierbeiner für Zweibeiner

Vierbeiner für Zweibeiner

Die Kunst einen Stuhl zu bauen

29.01.2015 - 28.02.2015
Modelle und Skizzen führender Designer wie Nitzan Cohen, Stefan Diez, Christophe de la Fontaine und Aylin Langreuter, Steffen Kehrle, Hannes und Max Gumpp.
Philipp Messners Video zeigt seine Auseinandersetzung mit Konstantin Grcics „Chair One", kuratiert von Oliver Herwig.
Abbildungen:
Galerieseite Steffen Kehrle
Startseite (Reihung) Stefan Diez
 

Clare Goodwin

Clare Goodwin

Broken Parallels

07.11.2014 - 19.12.2014
Clare Goodwin
Peter, 2014
Acryl auf Leinwand, 50 x 40 cm

 
 

Marzena Nowak

Marzena Nowak

Denn wir sind, wo wir nicht sind...

12.09.2014 - 25.10.2014
Marzena Nowak
Ohne Titel, 2014
(Brot mit polnischer Erde gebacken)
Startseite: detail

The interrelationship of presences and absences addressed in Marzena Nowak's art, refers - in the context of artistic work on memory in which her work is situated - to the problem of forgetting as well as to the effort to recover the past, both associated with the process of remembering. But, it also demands that those gaps are filled through one’s own power of imagination that is always ingrained with the cultural context of memory. Thus, her works, despite their fragmentation, operate as repositories and storage of numerous latent meanings and sensual perceptions that can be updated by the viewers. Marzena Nowak places the fleeting and fragile phenomena of the psyche in the context of historical and autobiographical experiences, thus lending them visual and physical intensity in the form of paintings, photographs, videos, objects and installations. She broaches the issue of memory as a process of change in which the original event, the past, is subjected to interpretation and thereby transformed. In this aspect memory is comparable to the subject of dream, which is another topic in the artists work, wherein reality and fiction are interrelated. Marzena Nowak does not romanticise these issues; instead, her poetic images and objects serve as a means to analyse them.

“FOR WE ARE WHERE WE ARE NOT... “
(a fragment of a poetry by Pierre Jean Jouve from his Lyrique)
 

Interimsausstellung

Tanja Mohr zeigt neue Malerei

12.08.2014 - 30.08.2014
 

Michael Hirschbichler

Michael Hirschbichler

Theatrum Orbis Terrarum. Eine Ausstellung im Rahmen der Architekturwoche A6 des BDA

16.05.2014 - 12.07.2014
Abbildung (Startseite: Ausschnitt)
Michael Hirschbichler, Platz III, 2013
Pigmentdruck 59x84 cm
 

Daphna Weinstein

Daphna Weinstein

Suche nach Mustern

14.03.2014 - 03.05.2014
Abbildung (Startseite: Ausschnitt):
Daphna Weinstein: When the Bulgarian fight Ottoman,2012
from: The Second Paper Brigade, 2012 - present
paper and coat hangers

Die in Israel geborene Künstlerin springt gerne zwischen verschiedenen Techniken hin und her, dabei beeinflussen sich ihre Werke gegenseitig. Überwiegend ist die Arbeit durch die Verwendung von Papier dominiert; ein elementares und zugleich einigermaßen schlichtes künstlerisches Material. Oftmals wird der Stift durch eine Messerklinge ersetzt, um Schnitte in das weiße Material zu setzen, die wie ein stiller Aufschrei wirken. Um ein Gefühl von Verfremdung hinzuzufügen, wird das Papier ganz nah zu einem Alltagsobjekt positioniert, wodurch eine ambivalente Beziehung zwischen dem freundlich-banalen und der Allmacht hoher künstlerischer Finesse entsteht. Wie zum Beispiel beim Kunstwerk „The second paper Brigade“ 2012, wo Papierbögen auf Kleiderbügeln hängen, die in einer Art Scherenschnitt Soldaten oder andere in Kriegshandlungen involvierte Kreaturen zeigen.

Bei dieser Papier-Objekt-Partnerschaft kann eines der Materialien für ein Konzept stehen, dieses wird aber gleichzeitig ironisiert oder es entsteht eine völlig neue Idee. Roland Barthes beschrieb diesen Prozess so: ein Situationslabor, in dem das Hauptwerkzeug die Macht der Spekulationen ist. Dies manifestiert sich selbst im Prozess des Zeichnens und dem starken Bedürfnis, Gegenstände zu produzieren, welche wiederum einen bestimmten Raum in den Bild-Installationen einnehmen. Es entstehen Poesie-Konstruktionen über den täglichen Kampf, die Welt zu begreifen.

Bei diesem Arbeitsvorgang untersucht die Künstlerin die polaren Beziehungen der Sozialen Rangordnung sowie auch den inneren psychischen und kontemplativen Kampf. Es ist ein Beobachtungsprozess kontinuierlicher Schwankungen zwischen Horror und Freude, Gefühl und Vernunft, Bewusstsein und Unbewusstsein, Privatem und Öffentlichem, Sehnsucht und Angst, Freiheit und Frustration – und wie diese Faktoren aufeinander einwirken. Eine dieser Arbeiten heißt „like X to Y“. Der Titel nimmt einerseits einen mathematischen, andererseits einen sprachlichen Bezug: wie ein Nachtfalter, der auf das Licht zufliegt – zwei Variablen und ihre fragwürdige Beziehung zueinander. Nachtfalter weisen eine positive Phototaxis auf, sie bewegen sich auf das Licht zu, auch wenn dies zu ihrem frühzeitigen Tod führt. Es gibt Belege für die Theorie, dass wandernde Falter über ein inneres geomagnetisches Kompasssystem verfügen, das sie automatisch in die richtige Richtung führt, wobei der Mond als Bezugspunkt dient. In unserer stets wachsenden von Menschen gemachten urbanen Welt bedeutet die Tatsache, dass Nachtfalter vom Licht – auch einem künstlichen – angezogen werden, eine große Konfusion für die Tiere, eine komplette Orientierungslosigkeit. Der Nachtfalter rechnet ja nicht wirklich damit, „auf dem Mond zu landen“.

Daphna Weinstein lässt ein komplexes Beziehungsmuster zwischen verschiedenen Störungen, Zufällen, unerklärten Vorkommnissen, Wahrscheinlichkeiten, Naturlaunen, Unregelmäßigkeiten, Abnormitäten und anderen Abweichungen von der Norm entstehen – wobei sich das Muster dabei jeweils in eine ganz bestimmte Richtung entwickelt.

*Johannes Rauchenberger und Roman Grabner, Ausstellungskatalog “mutter” , 2010 Kulturzentrum bei den Minoriten, Graz.
 

Joost Colpaert

Joost Colpaert

Karte und Gebiet

23.01.2014 - 28.02.2014
Abbildungen (Startseite: Ausschnitt):
Joost Colpaert,
Capricorn, 2012
Öl auf Leinwand, 80x100 cm

Was haben vibrierende Wassertropfen auf einer Motorhaube und ein Mann, der Wasser zum Meer trägt, gemeinsam? Ist dies ein Hinweis auf unsere Ohnmacht und Hilflosigkeit? Leben wir nicht allzu oft in unserem Kokon, als ob wir einen Eimer auf dem Kopf tragen? Vielleicht führen uns diese Fragen zu Breughels 'The Blind Leading the Blind' und Cervantes Don Quijote.

Die menschliche Komödie als Teilhaber unserer menschlichen Existenz, zeigt sich nicht nur in den Videos 'Kampf um Wasser' und 'Wasserträger', sondern auch in den darauf verweisenden Landkarten und Landschaften: Landschaften, die zerklüftete Küsten aus Vogelperspektive darstellen und Landkarten mit Tropfenformen. Jede Landkarte hat ein anderes Thema, wie zum Beispiel 'Der imaginäre Kongo', in dem man im Vordergrund den breiten Kongo-Fluss mit den verschiedenen Inseln sieht. Im Hintergrund gibt es Stadtpläne von Kinshasa und Brazzaville, alle Arten von Straßen, deren Muster aus unterschiedlichen afrikanischen Frisuren abgeleitet wurde; Straßen, in denen Wörter verarbeitet wurden, die sich auf die koloniale Vergangenheit beziehen, etc. Andere Landkarten führen auf Rorschachtests zurück, mit Tropfenformen, die als abstrakte Seen auftreten.

In dem Animationsfilm 'Kampf um Wasser' werden die Tropfenformen durch einander und mit einander verarbeitet und bilden so eine wilde Geschichte über Macht und Ohnmacht. Diese Geschichte und auch die Formensprache erkennen wir in den Karten 'Lamm & Steinbock': Gut und Böse verarbeitet in zwei palästinensischen Karten, der Mensch als Spielball zwischen zwei Polen?

Die Karten mit dem bizarren Eimermann entstanden aus dem Video "Wasserträger", eine Montage von einer Performance in der während einer Gezeit, Eimer Wasser zum Meer getragen werden.

Auf den ersten Blick sehen wir städtebauliche, politische und mancherlei andere Motive, die in dem Stadtplan, der fungiert als eine Art Labyrinth, mit einander verflochten sind. Die Werke bezaubern, aber geben nicht sofort ihre Geheimnisse preis. In dem Betrachter wecken sie aber Fragen und Neugier und erst dann dringt die Bedeutung durch.
 

Rui Chafes

Rui Chafes

Deine Hände

09.11.2013 - 19.12.2013
Abbildungen:
Rui Chafes
Leichter als das Nichts, 2012
Stahl, 176x78x28 cm
(Installation Hara Museum, Tokyo)

Die Materialität des Eisens auflösen durch das Geschick der Hand – so versteht Rui Chafes Bildhauerei. Der Künstler, der nach seinem Bildhauerstudium in Lissabon der 1980er Jahre zu Beginn der 1990er nach Düsseldorf ging, dort zwei Jahre blieb, bei Gerhard Merz arbeitete und im „Nebenfach“ Novalis ins Portugiesische übertrug, misstraut den üblichen Trennungen zwischen sogenannter „zeitgenössischer“ und „historischer“ Kunst.

Für Chafes, den die revolutionäre Haltung eines Renaissancekünstlers wie Tilmann Riemenschneider beeindruckt, zählt nur dies, ein Kunstschaffen als Seins- und Grenzerfahrung. In seiner Radikalität steht der 1966 geborene Bildhauer dem Denken von Beuys nah und dessen apodiktischer Forderung: „Angesichts des Todes, was hat da Wichtigkeit?“. Rui Chafes hämmert, schneidet, schleift, schweißt die Eisenblätter, mit denen er arbeitet, verwandelt sie in fliegende gedrehte Linien, die frei im Raum schweben, oder baut sie zusammen zu quadratischen Kästen, deren innere Dunkelheit er durch vergitterte kleine Luken sichtbar macht. Manchmal können sich diese Skulpturen auswachsen zu räumlichen Gebilden, zu begehbaren Bildwerken. So etwa zu Beginn des Jahres 2013 in der Arbeit „Stille Wunde des Ja, Messer des Nein“, in der Galerie Filomena Soares, als in einem großen völlig dunklen Raum, fünf hohe, tatsächlich messerscharfe aber gleichzeitig insektenartige Gebilde für den Betrachter auftauchten, dessen Augen sich an die Dunkelheit gewöhnt hatten; ein unheimlich weißes blendendes, aber doch sehr fernes Licht wurde von ihnen ausgestrahlt. Diese rätselhafte Arbeit, die tatsächlich einen gesamten Raum in eine einzige begehbare Skulptur verwandelt, wird nun weitergeführt.

In der Galerie Karin Sachs wird Rui Chafes Anfang November eine ganze Reihe von Formen zwischen Malerei und Zeichnung aufhängen, die alle ineinander greifen. Jede Arbeit hängt in ihrer Position im Raum von der anderen ab.
 

Samuel Henne

Samuel Henne

Formationen

13.09.2013 - 26.10.2013
Abbildungen:
Galerieseite:
Samuel Henne
something specific about everything
Installationsansicht, Kunstverein Hannover, 2013
© Samuel Henne

Startseite:
Samuel Henne
untitled (Rodin) aus museé imaginaire
2012, Fine Art Print
140 x 100 cm, © Samuel Henne

In der Ausstellung „Formationen“ zeigt der Künstler Samuel Henne mehrere Werkreihen, die im März 2013 u.a. auch im Kunstverein Hannover zu sehen waren. Im Mittelpunkt seiner seriell konzipierten Arbeiten steht die Auseinandersetzung mit dem vielschichtigen Wechselverhältnis von Fotografie und Skulptur.
Die Arbeit „something specific about everything“ beispielsweise zeigt im Zentrum ihrer Motive alltägliche Gegenstände, die zu Objekt-Kompositionen zusammengefügt und über die Inszenierung wiederum als Teil der Gesamtkomposition ins Bild überführt wurden.
“Musée imaginaire“ verortet sich als weitere Werkreihe offenkundig verstärkt kunstgeschichtlich. Henne erschafft in dieser Arbeit Bilder, indem er Seiten von ausgewählten Publikationen zur Skulpturgeschichte fächerartig ineinander rollt und so die fächerartig inszenierten Buchobjekte als Bild im Bild zu abstrakt anmutenden Bildcollagen werden.
Samuel Hennes aktuelle, fotografische Arbeiten zeigen eindrückliche Bildwelten, die er ausschließlich für die Kamera inszeniert und deren künstlerischen Ausgangspunkt Variationen einzelner Objekte bilden. Im Studio arrangierte Motive werden mittels Setting, Licht- und Farbregie in prägnante, eigenständige Bildkompositionen übersetzt. Im permanenten Wechsel zwischen räumlicher und flächiger Wirkung stellen sie ihre Realität als Konstrukt einer medialen Praxis konsequent zur Schau.
Samuel Henne (*1982) studierte an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig und schloss sein Studium 2010 als Meisterschüler von Dörte Eißfeldt ab.
 

Rune Mields

Rune Mields

Das Kreuz der Ungeraden

06.06.2013 - 27.07.2013
Rune Mields
Ziffernsystem aus Mittelamerika, 2012
Acryl auf Leinen
140 x 90 cm

RUNE MIELDS beschäftigt sich mit Ordnungssystemen, in denen sie sich mit Problemen der Mathematik wie den Primzahlen, astronomischen Konstellationen, musikalischen Gesetzlichkeiten, Computercodes sowie Schrift und Zahlenzeichen auseinandersetzt.
Ihre Spurensuche unternimmt sie dabei in unterschiedliche Kulturkreise und Zeiten.

Bitte beachten Sie, dass die Galerie im August geschlossen ist.
 

Mladen Bizumic

Mladen Bizumic

Keep Me. Protect Me. Share Me.

22.03.2013 - 25.05.2013
Mladen Bizumic
Subsitute (Kodak Polaroid EK-160 EF) carbon, camera, 2013
9,5 cm x 21cm x 14 cm

MLADEN BIZUMIC
*1976 Sremska Mitrovica, Woiwodina, (Ex-Jugoslawien),
aufgewachsen in Auckland, Neuseeland, lebt in Wien, Österreich

Keep Me. Protect Me. Share Me.
"... Man muss ganz, ganz still sein, dann hört man sie. Sie sagen: Bewahrt mich auf. Beschützt mich. Schaut mich an. Dann bleibe ich für immer lebendig ..." Eastman Kodak Company, TV-Werbung, 2005

Am 20. Januar 2012 reichte die legendäre Fotofirma Kodak ihren Insolvenz- und Vergleichsantrag ein. Das Paradoxe daran ist, dass Kodaks eigene Erfindung die Firma nun ruiniert hat. 1975 erfand Steven Sasson, ein Ingenieur der Firma Kodak in Rochester, New York, die erste Digitalkamera. Obwohl diese Erfindung im Patentamt der USA unter der Nummer #4131919 registriert ist, entschied sich der damalige Verwaltungsrat von Kodak gegen die Entwicklung und Vermarktung dieser bahnbrechenden Technologie ohne Fotofilm, um das eigene, damals lukrative Filmgeschäft dadurch zu schützen.

In Keep me. Protect me. Share me. zeigt Bizumic viele unterschiedliche „Fotosituationen", durch welche man einen Einblick in die wirtschaftlichen, historischen und technischen Bedingungen erhält, wobei die Bilder so hergestellt sind, dass weder der Eindruck einer nostalgischen Rekonstruktion der Fotografie des 20. Jahrhunderts entsteht noch der einer ironischen Manifestation von Kodaks
Bankrott. Stattdessen lotet die Ausstellung die formalen Grenzen der Fotografie an sich aus, die mögliche Darstellung und Wirkung von Humor, Poesie und Politik. Dabei soll der Anschein erweckt werden, dass es sich bei der Fototechnik um eine vermeintlich „neutrale“ Technologie handelt.
 

Dan Asher

Dan Asher

Fotografie

24.01.2013 - 09.03.2013
Dan Asher
Serie Antarctica, 2000
C-Print, je 70 x 105 cm
Auflage 7

DAN ASHER
*1947 in Cleveland / Ohio, USA – 2010 New York

Studium der Soziologie und Anthropologie. Reisen und Aufenthalte in Europa, Südamerika, Japan.
Dan Asher's Arbeit umfasst Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Fotografien und Videos.

Asher's exzentrische Persönlichkeit machten ihn zu einer unverwechselbaren Figur der New Yorker Kunstszene, er hatte einige der eindrucksvollsten und ehrlichsten Arbeiten in New York City in den vergangenen drei Jahrzehnten produziert.
Um Bilder von schimmernden Eisbergen zu machen, benutzte er eine einfache Kamera. Die Aufnahmen entstanden zuerst in Grönland, später in der Antarktis.
 

Marsha Cottrell, Flora Hitzing, Thomas Pöhler, Jens Risch

Marsha Cottrell, Flora Hitzing, Thomas Pöhler, Jens Risch

Im Gleichgewicht ist die Materie blind

27.10.2012 - 15.12.2012
Abbildung: Marsha Cottrell

Kuratiert von Dr. Magdalena Holzhey

Marsha Cottrell *1964, lives in New York
Flora Hitzing *1978, lives in Düsseldorf
Thomas Pöhler *1966, lives in Düsseldorf
Jens Risch *1973, lives in Berlin

Im Gleichgewicht ist die Materie sozusagen "blind", in gleichgewichtsfernen Zuständen beginnt sie wahrzunehmen. Die Naturwissenschaftler Ilya Prigogine und Isabelle Stengers formulieren mit diesem Satz in ihrem Buch „Dialog mit der Natur“ ihre auf neuen Forschungen zur Thermodynamik beruhende Erkenntnis, dass Materie unter bestimmten Bedingungen sich selbst zu organisieren, ein Eigenleben zu entwickeln beginnt und in einem Wechselspiel zwischen Zufall und Notwendigkeit neue Strukturtypen ausbildet. Grundlegend für Prigogines naturwissenschaftlichen und -philosophischen Ansatz ist die Bedeutung der Zeit: Indem er Zeitlichkeit, Werden und Entstehen in physikalische Gesetzmäßigkeiten einführt, verbindet er Grundgesetze der Physik mit Fragen nach der Entstehung des Lebens.
Die vier ausgewählten Künstler setzen sich je auf ihre eigene Weise mit Schöpfungsprozessen auseinander, mit räumlichen und zeitlichen Dimensionen, der Spanne zwischen Materialisierung und dem nicht mehr Greifbaren, mit universaler abstrakter Bewegung und der Erschaffung neuer Strukturen. Marsha Cottrell (*1964, lebt in New York) kreiert mithilfe des Computers erstaunliche Kosmogonien, die auf Überresten typographischer und digitaler Prozesse beruhen und, in aufwändigem Experimenten gedruckt, irgendwo zwischen Planetenbildern und Molekülstrukturen angesiedelt zu sein scheinen. In einem jahrelangen Arbeitsprozess entstanden, gleicht Jens Risch' (*1973, lebt in Berlin) Seidenstück einem organisch gewachsenen Gebilde, ist ein Stück extrem verdichtete Zeit, das – vergleichbar etwa dem vertikalen Erdkilometer von Walter de Maria – seine räumliche Dimension in der Vorstellung entfaltet.
Wasser und Fels, das vermeintlich Ewige und das Flüchtige setzt Thomas Pöhler (*1966, lebt in Düsseldorf) in seinen Steinaquarellen gegeneinander, in denen die Schaffung einer schattenhaften, im Moment des Erscheinens schon wieder verschwindendenden Spur gedanklich einen weiten zeitlichen Raum öffnet. Flora Hitzing (*1978, lebt in Düsseldorf) nähert sich in variierender Wiederholung dem Motiv der Brandungswelle, dem Versuch, das Bewegte bildhauerisch zu Form werden zu lassen und den Höhepunkt der Welle, den Moment des Stillstands zwischen Aufbäumen und Brechen, immer wieder aufs Neue zu formulieren.
 

Markus Weis

Markus Weis

14.09.2012 - 13.10.2012
Markus Weis
Bad, 2010
Öl/ Leinwand, 44 x 59 cm

Die Galerie Karin Sachs zeigt erstmals das Werk des Berliner Malers Markus Weis.

In seinen Bildern stehen sich Realismus und Abstraktion unvermittelt gegenüber. Seine vielseitige und zwischen Genres und Stilen wechselnde Malerei fasziniert durch die Spannung zwischen Gegenständlichkeit und der Reduktion auf die Form.

Erstmals stellt der Künstler jetzt in München aus und zeigt seine neue großformatige Arbeit Passion, ein die gesamte Bildfläche bedeckender violetter Vorhang. Der Rhythmus von Licht und Schatten, die stufenlos vermalten Farbübergänge lassen die Falten des Vorhangs zu einem unscharfen Streifenraster werden. Es ist ein monumentales Bild der Meditation von intensiver farbiger Präsenz. Die Ausstellung zeigt außerdem kleinere Interieurs, die durch ihre stille Atmosphäre bestechen und eine zeitlose Ruhe ausstrahlen.

Immer wieder kommt auch die in leuchtenden Farben gemalte menschliche Figur in den Arbeiten von Markus Weis vor. Dabei gilt das Interesse des Malers dem Stoff der Kleidung und dessen sinnlicher Erscheinung mehr als beispielsweise der Oberfläche des Gesichts. So betonen diese Portraits das Universelle des dargestellten Menschen mehr als seine persönliche Individualität.

Die Bilder von Markus Weis sprechen von einer Grenze des Sichtbaren – mit den Worten des Malers: „Das Sinnliche ist mein Thema, aber das Übersinnliche mein Ziel.“
 

Alexandra Wacker

Alexandra Wacker

„Das bin Ich“

25.05.2012 - 21.07.2012
Alexandra Wacker, Domus II, 2012,
Öl auf Leinwand, 145 x 110 cm

ALEXANDRA WACKER
„Das bin Ich“

Der Titel der aktuellen Ausstellung der österreichischen Künstlerin Alexandra Wacker ist unterschiedlich interpretierbar: einerseits stellt der Fokus auf vegetabile Formen, auf „natürliche“ Landschaften, die in Kontrast zu zivilisatorisch gebändigten Versatzzeichen gesetzt werden, ein Kontinuum ihres Schaffens dar. Gleichzeitig deutet sie damit aber auch eine gewisse Zäsur an, indem sie auf eine im Vergleich zu ihren bisherigen Arbeiten mehr aufs Detail bezogene Sicht verweist.

Dominierte bisher oft die Vogelperspektive, aus der heraus parallel verschiedene Zeiten und Orte zu spezifischen Szenarien verknüpft wurden, hat sich ihr Blick mittlerweile gleichsam ins Geschehen hineingezoomt, so dass sie sich immer mehr der Abstraktion annähert. Mit der Untersuchung dieser Strukturen erweiterten sich auch die malerischen Mittel: lasierende Farbaufträge machen zunehmend stärkeren Schichten Platz, was vorher als Andeutung offen blieb, ist nun sehr konkret. Nichtsdestotrotz bleibt die für Wacker so typische Farbpalette erhalten.

Gänzlich anders ihre Tuschearbeiten: gleich Bühnenbildern öffnet sich hier die Weite einer Landschaft, lädt gleichsam ein, sie zu betreten und in ein eigenes Universum einzutauchen, dessen flirrend-atmosphärische Schilderung auch als Referenz an die Landschaftsmalerei des 18. Jahrhunderts gelesen werden kann. Dass die Papierarbeiten ungerahmt, gleichsam ungeschützt und „roh“ präsentiert werden, erhöht den Reiz der Unmittelbarkeit, der von diesen Bildern ausgeht.

August: Galerieferien, nur nach Vereinbarung geöffnet
 

Ben Kruisdijk

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23.03.2012 - 12.05.2012
Ben Kruisdijk, o.T., 2012, Acrylfarbe auf Holz, 17 x 13 6 cm

BEN KRUISDIJK / CONNY KUILBOER
„move to the edge and declare it the new centre“
 

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21.10.2011 - 10.12.2011