Initiative Münchner Galerien zeitgenößischer Kunst

 

Boutwell Schabrowsky Gallery

Theresienstr. 48 • 80333 M
Tel. 49 (0)152 56004062
www.susanboutwell.com contact@susanboutwell.com
Wed–Fri 12–6 pm• Sat 12–3 pm
July + August: Tue–Fri 12–7 pm • Sat–Sun 12–3 pm

After fifteen years as director of Boutwell Draper Gallery in Sydney, Susan Boutwell started in September 2017 with a new exhibition program in Munich, Germany.
Boutwell Draper in Sydney focused on artists particularly from the Asia Pacific region, who work in a broad range of media, from painting and photography to sculpture, installation, video and digital arts. The gallery also presented international artists to Australia including Curtis Anderson, Andy Goldsworthy, Ian Hamilton Finlay, Ryoji Koiji, Yong Deok Lee, Jay Mark Johnson, Christina Lissmann, Martin Mlecko, Ulrich Rückriem and Rosemarie Trockel.
Susan Boutwell in Munich continues to commit to the promotion of both emerging and established contemporary artists from Australia and New Zealand as well as international artist.
Her current program includes Charlotte Acklin (Munich, Germany), Christopher Croft (Munich, Germany) Peter Daverington (Melbourne, Australia, living in New York), Jonah Gebka (München, Deutschland), Claudia Hirtl (Vienna, Austria), Stefanie Hofer (Munich, Germany), Gavin Hurley (Auckland, NewZealand), Mira Makai (Budapest, Hungary), Jan Schünke (Munich, Germany), Melanie Siegel (München, Deutschland), David Stephenson (Hobart, Australia), Claudia Terstappen (Melbourne, Australia), Leona Tobien (Berlin, Germany), Peter Westwood (Melbourne, Australia) und Peter Wüthrich (Bern, Schweiz).

Theresienstr. 48
80333 München

Current exhibitions


Upcoming exhibitions


Past exhibitions

Anita Fricek

Anita Fricek

„Body Languages of Care“

12.03.2021 - 24.04.2021
The exhibition Body Languages of Care continues Anita Fricek's interest in the relationship between humans and plants by focusing on the postures and gestures of gardening. Bodies gardening are always involved in the performance of care. The life size figures are painted from video footage shot by the artist, and are in a state of maximum tension and movement. But going beyond a pure 'realism' the figures are also slightly abstracted - balancing the documentary aspect of the paintings with a more metaphorical content. The abstracted, geometric postures embody the independent intelligence of nature, which appears in the determination and clarity of the figures. Fricek's exhibition explores how our care for nature is also a way that nature cares for us, continuing her long-standing interest in social support systems. Systems of care orient our lives towards the future, and whether as gardening or through wider social institutions, reflect the intelligence of nature. Finally, the exhibition's focus on the body and its gestures echoes Fricek's artistic method, where she 'throws' the source material through her own body and its cognitive abilities onto the canvases, making painting a body language of care.
Anita Fricek was born in Vienna in 1967, where she lives and works. She studied art at Studio Hamilton in Florence, at the City University of New York, Queens College, and at the Academy of Fine Arts Vienna. She was a visiting scholar at the University of Western Sydney, Australia, a recipient of the Austrian State Stipend for Fine Arts, and had residencies in London and Sydney. She has exhibited widely over the last 25 years in both solo and group exhibitions, including Turner Contemporary, Margate; MUSA, Vienna; Künstlerhaus, Vienna; Stedelijk Museum, Amsterdam; Frankfurter Kunstverein; Sala Rekalde, Bilbao; Museum der Moderne, Salzburg; Artspace, Sydney; and CAC, Vilnius. For 15 years she has developed an extensive painting project investigating pedagogical models, and is currently working on the theme of gardening.

Anita Fricek
Isa Sows Spinach, Community Garden Alsergrund (Body Languages of Care)
2020, oil on canvas
106 x 155 cm
 

Judith Egger und Susanne Thiemann

Judith Egger und Susanne Thiemann

“Der Wind pfeift”

11.02.2021 - 21.03.2021
Galerieseite: Judith Egger, Bio Deluxe Insect Hotel 2, 2020, ceramic, H: ca. 60 cm
HOME: Susanne Thiemann, Happy, Joyous, Free, 2017 150 x 50 x 60 cm
 

Anita Fricek

Anita Fricek

Body Languages of Care

01.12.2020 - 16.01.2021
Abbildungen
Galerieseite: Wildblumen – blühender Diptam auf der Perchtoldsdorfer Heide, 2020, Öl auf Molino, 60 x 48cm, Foto © Michael Nagl
HOME, Reihung (Detail): Gabi beim Versorgen ihrer Pflanzen auf der Terrasse (Body Languages of Care), 2020, Öl auf Molino, 1,10 x 1,55m, Foto © Michael Nagl
Home, Slider (Detail): Julia gießt ihre Pflanzen (Body Languages of Care), 2019/2020, Öl auf Molino,, 1,2 x 2m, Foto © Michael Nagl

 
 

Claudia Terstappen

Claudia Terstappen

Schlaufen, Türme, Bänder, Laschen

27.10.2020 - 23.12.2020
Claudia Terstappen studied sculpture in relation to architecture and photography at the Art Academy Düsseldorf/Germany with Erich Reusch and Tony Cragg. She works with a wide range of styles and materials focusing on the interrelationship between culture and nature. Since 2015 the artist has been working intensively with ceramics. For her exhibition Loops, towers, ribbons, straps she has created powerful ceramic sculptures which she juxtaposes with woodcuts to create a vibrant dialogue between 2 and 3-dimensional forms. These works act as a portal for our memories and include a diverse array of animated and playful forms ranging from tendrilous plants to industrial settings.
In my work I react to specific aspects of my surroundings as found in architecture, or the natural environment. There are often particular shapes, colour combinations or compositions that stay with me, and that later get translated or incorporated into my sculptures. This happens quite freely. I isolate these phenomena, often enlarge them, concentrating on particular aspects as a response to what I've seen, like articulating memory. Set between the visible and the imaginary, the works create tensions between organisms and abstract forms, remaining open to an infinite net of relationships between culture and nature.
Claudia Terstappen has lived and worked in Düsseldorf, London, New York, Hong Kong and Barcelona and moved to Australia in late 2004. Her work is held in collections worldwide, including the Museum of Fine Art Houston, Texas USA; Osaka Prefectural Government, Japan; Colección Rafael Tous de Arte Contemporáneo, Spain; Museum DKM, Germany and Warrnambool Art Gallery, Australia. Terstappen has shown internationally, including in the Louvre Paris, White Column New York, and the Triennale for Sculpture in Osaka, where she was awarded the Bronze Prize for Sculpture. Her work is currently on display together with Richard Long in Museum DKM, Duisburg.

Images
Galerieseite: Tall red, 2020 / BCN, Glazed ceramic, ca 31 x 11 x 9 cm
HOME, Reihung: Gelbe Wicklung, 2020 / BCN, Glazed ceramic, ca 27 x 26 x 17 cm
HOME, Slider /Detail): Geflecht, 2020 / BCN, Glazed ceramic, ca 48 x 37 x 19 cm
 

Charlotte Acklin

Charlotte Acklin

Zwischen den Polen – im Aufbruch

12.09.2020 - 24.10.2020
In ihren Arbeiten geht es um die Art unserer Wahrnehmung der Realität,
das Ausloten von Grenzen und deren Überschreitung, die Frage
nach der Reaktion auf eine sich ständig verändernde Wirklichkeit.
Die Bilder sind eine aufwendige Auseinandersetzung mit Form, Textur-
und Farbwirkung, sie werden zu Protokollen dieses Vorgangs:
Schicht um Schicht wird aufgetragen, verändert, weggenommen
und erneut eingearbeitet, wieder und wieder. Die Spuren der Arbeit
bleiben als sichtbare Narben zurück. Diese Arbeitsweise lässt den
Betrachter an dem Entstehungsprozess teilhaben. Die Untergründe
bleiben in ihrem dreidimensionalen Aufbau präsent, durchscheinend
fast, und sichtbar auch dort, wo sie scheinbar überdeckt werden. Die
Kraft und die Gewalt der ursprünglichen, tiefen Schichten drängen
nach oben, versetzen die Oberfläche in Bewegung, in der distanzierten
Gesamtschau ebenso wie aus allernächster Nähe. Es sind keine
geschlossenen Oberflächen mehr, die so entstehen. Umso stärker,
durch alle Brüche und Linien hindurch, wirkt die spürbare innere
Schwingung im Untergrund. Sie setzt sich über die Ränder des Bildes
hinaus fort, beansprucht Raum und Tiefe. Ein Geheimnis bleibt,
ohne starre Festlegung; die Bilder interagieren mit dem Betrachter.
Sie strahlen Energie aus; fein und dicht gewoben, sind sie zugleich
von großer Kraft.

Charlotte Acklin
The known unknown
2020
Öl auf Leinwand
200 x 160 cm

 
 

Body \\ Politic

Body \\ Politic

Positionen internationaler Künstlerinnen

04.08.2020 - 04.09.2020
Body\\Politic ist eine Ausstellung mit 9 Künstlerinnen, die ihre individuellen Geschichten zu Themen erzählen, die von der Metapher Body\\Politic aufgeworfen werden.

‘Body \\ Politic‘ – Körperpolitik- ist eine mittelalteriche Metapher bei der die Menschen dieser Nation eine einzige körperliche `body` Einheit bilden. Alle müssen dieser Einheit dienen, damit die Nation funktioniert. Wenn sich ein Teil der Nation widersetzt, wird dies mit einer Infektion verglichen, die das einheitliche Ganze bedrohen kann. Damit eine Nation gesund ist, muss sich ihr Volk der Hierarchie der Einzelteile anpassen. In traditionellen
Darstellungen der Körperpolitik sitzt der Kopf an der Spitze dieser Hierarchie als Ort der Wahrnehmung und Rationalität und regelt alle folgenden Teile. Manchmal repräsentiert der Kopf die Monarchie, manchmal die Kirche. (Auszug aus Body\\Politic von Stewart Hall, München, 2020)

Teilnehmende Künstlerinnen: Louisa Abdelkader (München), Nora Battenberg-Cartwright (Frankfurt), Judith Egger (München), Dr. Ope Lori (GB/Nigeria), Bex Massey (GB), Rozhgar Mustafa (Irak), Janette Parris (GB), Kim Thornton (GB) and Rachel Wilberforce (GB)
Kuratoren: Stewart Hall and Susan Boutwell

Dr. Ope Lori
Alpha and Beta (2015)
Medium: Film
Dimensions: Various

 

 
 

Paper Matters

Paper Matters

21.07.2020 - 01.08.2020
Kunst auf Papier: Aquarelle, Lithografien, Monotypes, Collagen, Aquatinta,
Tintenstrahldrucke (Kopien), Zeichnungen mit Bleistift, Kohle, Acryl oder Öl. Das Spektrum ist gross.
Warum Papier? Es eröffnet den Künstler*innen endlose Möglichkeiten und die Sammler*innnen können auch mit einem kleinen Budget in den Kunstmarkt einsteigen.

Künstler der Galerie und Gäste zeigen im Rahmen der Paper Matters ihre Arbeiten. Entweder sind sie ein wichtiger und entscheidener Teil ihres Schaffens oder wie bei Stefanie Hofer mit ihren beeindruckenden Aquatinta das Gesamtwerk an sich.
Alle Arbeiten werden ungerahmt zu sehen sein.

Claudia Hirtl (Wien)
Karen Davies (London)
Stefanie Hofer (München)
Melanie Siegel (München)
Mira Makai (Budapest)
Hannes Weigert (Norwegen)
Gavin Hurley (Auckland)
Sam Mitchell (Auckland)
Charlotte Acklin (München)
Judith Egger (München)
Jonah Gebka (München)
Anita Fricek (Wien)
Christopher Croft (München/Melbourne)

Claudia Hirtl
Herz, Seele, Geist - Still und tief, 2014
Lithographie, dreifarbig, auf Hahnemühle
Edition 17/50, 50 x 70 cm

 

 
 

Hannes Weigert

Ensemble

16.06.2020 - 28.06.2020
 

Hannes Heinrich

Hannes Heinrich

The Shade#2

02.06.2020 - 14.06.2020
Hannes Heinrich
Ohne Titel, 2020
Öl auf Leinwand
160 x 140cm
(© Hannes Heinrich, 2020)

 
 

Mira Makai

Mira Makai

Keramik und Grafik

13.03.2020 - 16.05.2020
Mira Makai
Bloom 1, 2019
Keramik
H60
©Mira Makai und Susan Boutwell Gallery 2020

 
 

Christopher Croft

Christopher Croft

Household Pets in a Digital World

24.01.2020 - 07.03.2020
Squeaky colored pool toys in front of Himalayan peaks, animal bodies made of pots and pans, people with giraffe necks and binocular eyes - it is a surreal world into which Christopher Croft's paintings entice the viewer. But these paintings point with force and at the same time with poetry to very real threats to the world in which we live: from environmental pollution and overproduction, to alienation, dehumanization and the dominance of the modern West over the Old East.
The Australian artist's most recent series comprises six large-format paintings with six preparatory drawings. It bears the title: Household Pets in a Digital World. Christopher Croft had the initial idea for this in a Parisian park, where he was fascinated to observe how the animals displayed there fashionably matched their owners. He transformed the park scenes into the digital world in which everything flows and everything seems possible. There, the figures, painted with captivating precision, are assembled using the "copy & paste" system - as a hotchpotch world in which unity and order no longer prevail. They appear disconnected from reality, groundless, and thus devoid of responsibility.
It is not an optimistic view that Christopher Croft takes of the world, but an enlightening one, and in the details often a very humorous and warm-hearted one. The high-contrast images are full of quotations and allusions - to Pieter Brueghel, to Edvard Munch, to Alexander von Humboldt. It is a series that may seem like a riddle at first glance. But on closer looking, the great stories that each of these pictures has to tell are revealed.
Dr. Peter Münch

 
 

Melanie Siegel and Jonah Gebka

Melanie Siegel and Jonah Gebka

03.12.2019 - 18.01.2020
Melanie Siegels Bilder weisen die domestizierenden Eingriffe des Menschen in der Landschaft auf, die den Naturraum zu einer gestalteten und eroberten Lokalität machen. Die Arbeiten können als eine große Erzählung gesehen werden, die sich über mehrere Schaffensjahre erstreckt und in deren Motivkosmos stets Querverweise untereinander auftreten. Gesehenes bildet den Ausgangspunkt der Malerei und das Entdeckte wird im Malprozess durch Assoziiertes erweitert, verfremdet und neu komponiert. Ziel dieser Zwiesprache ist es, nicht die tatsächliche Situation nachzuahmen, sondern im Pendeln zwischen Abbild und persönlicher Imagination, das Wesen der Dinge herauszuarbeiten.
„In Melanie Siegels Arbeiten bekommen wir wieder ein Gefühl für das Geheimnisvolle und den Hauch einer Ahnung, wie die Rätselhaftigkeit sich anfühlt. Denn ihr gelingt die atmosphärische Präsentation einer Natur, die gleichzeitig gestaltet und geheimnisvoll ist.“ (Auszug aus dem Katalogtext von Anne Simone Krüger)
Melanie Siegel absolvierte zunächst eine Ausbildung zur Bühnenmalerin und studierte 2008–2014 an der Akademie der Bildenden Künste München bei Prof. Karin Kneffel. 2015 schloss sie ihr Studium als deren Meisterschülerin mit Diplom ab. Sie lebt in München.

Jonah Gebka
Brille und Bildschirm putzen, genau hinsehen, einprägen. Bilder recherchieren, aussuchen, abgleichen. Papierstau beheben. Bilder ausdrucken, in den Händen halten. Zeichnungen einscannen, abspeichern, korrigieren. Mails lesen und malen. Bilder auswählen, pressen, beschneiden, rahmen, hängen, bepreisen. Repros machen, bearbeiten, sichern, posten.
Jonah Gebka (geb. 1989 in Bonn) setzt Handlungen, welche auf Prozesse der Bildfindung, -bearbeitung und -verbreitung Bezug nehmen, in den Mittelpunkt seiner neuen Arbeiten auf Papier. Dabei nutzt er verschiedene Techniken um sowohl die Prozesse selbst, als auch deren Folgen abzubilden.
Die gemalten Protagonisten halten leere Papierblätter in den Händen. Sie studieren diese oder sind bereits dabei die Blätter weiterzuverarbeiten. Drucker und Kopierer sind sowohl im Bildgeschehen zu finden, als auch anhand ihrer auf der Bildfläche hinterlassenen Spuren sichtbar. Zudem tauchen in einigen Bildern lebensgroße Drucke abgescannter Finger auf.
Manche Motive setzen sich in Mustern fort, andere verschmelzen durch Überlagerung unterschiedlicher Schichten miteinander.
Jonah Gebka hat bei Karin Kneffel 2018 das Studium der freien Malerei als Meisterschüler abgeschlossen. Er ist ehemaliger Stipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes und wird 2020, als einer der Debütanten des Berufsverbandes Bildender Künstler München, in der Galerie der Künstler seine erste Einzelausstellung präsentieren.

Galerieseite: Jonah Gebka, Untitled, 2019, Watercolour on paper,
31.0 x 24.0 cm, ©Jonah Gebka and VG Bild-Kunst 2019

HOME Slider und Reihung (detail): Melanie Siegel, Untitled (Tenniscourt), 2019, Oil on canvas, 60.0 x 80.0 cm, Signed reverse, ©Melanie Siegel 2019

 
 

Claudia Hirtl

Claudia Hirtl

Bilder

13.09.2019 - 23.11.2019
This is Claudia Hirtl's second solo exhibition with Susan Boutwell in Munich. After two successful years with comprehensive solo exhibitions in Bolzano, Italy, in the South Tyrolean Cultural Institute and in Schwaz, Austria, in the Rabalderhaus, Claudia Hirtl returns to Munich with new pictures.
What kind of dialogue can arise when encountering Claudia Hirtl's "visual enigmas"? What kind of thoughts or reflections are evoked by Hirtl's art or what kind of sensations— beyond our cognitive perception—can be awakened?
There are undoubtedly signs in front of us: kanji borrowed from Japanese and partly also heavily alienated kanji are inserted in the multilayered pictorial text created with different compositions of pigments. Recognizing the kanji, if one succeeds in this, does not allow one much more progress than understanding the (sometimes given) title, which refers only to the conceptual concept underlying the Japanese sign. As scriptural as the images are on their surface, so profoundly related to writing or language the images are in their essence. One can comprehend the meaning of Hirtl's pictures only when the material components of the painting, the artist’s working process, and her intentionality are viewed in their entirety.
It is philosophical concepts, the processing of which, or rather, the development of which Hirtl is concerned with in her art. Hirtl's pictures are artistic approaches to fundamental concepts of the human condition or aspects of states of being, as reflected in Eastern philosophy: in her oeuvre, the concepts of time, place, self, language, and the juxtaposition of inside and outside recur regularly. Here in this selection of paintings, the artist deals with the flow of time, the course of time (also with infinity) and the notion of the self. Underlying these categories, we discern ideas likely to be influenced by phenomenology, hermeneutics, and the Japanese Kyoto School. The sign used in each case, no matter how modified it may be from the original kanji, serves as a marker; the artistic transformation of the chains of associations linked to the selected terms, however, reveals itself in the process of representation—be it in the astounding depth structure of each painting, in the sequence or juxtaposition of individual panels, or in the dissolution or fragmentation of the symbolic referent across several parts of the painting.
The dynamics of Hirtl's paintings require a kind of peripatetic contemplation: it is not a matter of a sequence of pictures (or parts of pictures), but a matter of shifting, superimposing, and condensing the contents of a painting and thus its
meaning. Neither silent nor rigid observation but inner participation becomes necessary. For here no result is being presented but an event.

Claudia Hirtl
Gespiegeltes Selbst, 2018
250 x 100 x 3 cm